Stylos, presse-papiers et encriers

Invader (né en 1969) - Répétition, Variation, Évolution 2017 Sérigraphie sur papier 88 x 65,5 cm Provenance : > Atelier Orbis Pictus Club, Paris (tampon au dos) Vendu sur réitération des enchères suite à l'impayé de monsieur Lionel Gérard, Crissier (Suisse)

Gérard Schlosser (1931-2022) - A la radio 2013 Estampe pigmentaire sur papier Hahnemühle signé en bas à gauche, numéroté 7/20 en bas à droite 75 x 75 cm Rapport de condition : Encadré

Rosa Bonheur (1822-899), attribué à Etude de bovidé Graphite sur papier Monogrammé en bas à droite R. B Dim. : 8,5 x 15 cm (à vue)

Maestro della Scuola Fiamminga del XVII secolo - Maître de l'école flamande du XVIIe siècle Le Christ et la femme adultère Huile sur toile 137,5 x 195,5 cm Cette œuvre exceptionnelle peut être attribuée à l'école flamande du XVIIe siècle. Pour une reconstitution historique et artistique précise de l'œuvre, il nous semble indispensable de mentionner l'existence d'une aquarelle sur papier presque identique, aujourd'hui dans une collection privée italienne, ayant appartenu à Sir Joshua Reynolds. Il considérait l'œuvre comme authentiquement réalisée par Antoon van Dyck (voir photo ci-jointe) et c'est à ce titre qu'elle est passée, après sa mort, entre les mains de sa nièce, qui l'a vendue aux enchères chez Phillips en mars 1798. Les coups de pinceau rapides et précis, savamment dosés même dans l'épaisseur, permettent de penser qu'il s'agit d'un chef-d'œuvre d'un grand maître, malheureusement encore anonyme. Maître de l'école flamande du XVIIe siècle Le Christ et la femme adultère Huile sur toile 137,5 x 195,5 cm Cette œuvre exceptionnelle appartient à l'école flamande du XVIIe siècle. Pour une reconstruction historico-artistique précise de l'œuvre, nous pensons qu'il est essentiel de mentionner l'existence d'une aquarelle sur papier, aujourd'hui dans une collection privée italienne, presque identique et ayant appartenu à Sir Joshua Reynolds. Il considérait l'œuvre comme authentiquement réalisée par Antoon van Dyck (voir la photo ci-jointe) et, à ce titre, elle est passée, après sa mort, entre les mains de sa nièce, qui l'a vendue aux enchères chez Phillips en mars 1798. Le coup de pinceau rapide et précis, mesuré de manière experte, y compris en épaisseur, permet de penser que nous sommes en présence d'un chef-d'œuvre d'un grand maître, malheureusement encore anonyme.

McBride, Will . Rocky + Julia faisant l'amour. Photographie originale. Gélatine argentée. Signé au crayon au verso, titré, daté. Munich, 1970/tirage tardif. Dimensions du motif : 23,5 x 34 cm. Dimensions de la feuille : 31 x 39,7 cm. Papier légèrement gondolé, sinon très bien conservé.

Man Ray . Collection de 8 photographies originales sur papier baryté d'Agfa. Au verso avec les tampons "Copie d'une épreuve originale/© ADAGP Man Ray Trust" ainsi que "tirage unique pour l'art du Griffon 1991". Dimensions de la feuille : 24 x 30,5 cm. Griffelkunst C 1 et C 3-6, 268 C 2-4. Présent : Larmes, Juliet, Erotique Voilée, L'oeuf et le coquillage, Échiquier surréaliste, Marcel Duchamp, Le Violon d'Ingres, Autoportrait à la caméra. - Papier légèrement gondolé, sinon très bien conservé.

VAN CLEEF AND ARPELS. Sautoir Vintage Alhambra 20 motifs en or rose 750°/°° orné de nacre gris/vert et diamants (120 pour 4cts83 – DEF-IF-VVS). Signé et numéroté avec boîte, surboîte, certificat, papiers et pochette de voyage). L.86cm.

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Lithographie 353 1991 Lithographie sur papier signé et daté en bas à droite, numéroté 29/99 en bas à gauche 54,5 x 74,5 cm Rapport de condition : Encadré sous verre

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Lithographie 236 1973 Lithographie sur papier signé et daté en bas à droite et numéroté 68/120 en bas à gauche 46,5 x 73,5 cm Rapport de condition : Encadré

Jean-Michel ATLAN (1913-1960) - Composition pour "Les miroirs du Roi Salomon", 1962. Lithographie en couleurs sur papier. Signée en bas à droite et dédicacée "à Jean Pons..." en bas. 33 x 40 cm (à vue). Rousseurs.

KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Autoportrait, 1987. Encre sur papier. L'œuvre porte l'étiquette de la galerie Tony Shafrazi et le numéro de stock 1435, exempté d'encadrement. Encadré avec un verre de musée. Signé et daté sur le côté droit. Dimensions : 26 x 32,5 cm ; 43 x 49 cm (cadre). Keith Haring s'est représenté à de nombreuses reprises, toujours avec ses lunettes emblématiques comme sceau d'identité. Dans ces autoportraits, l'artiste offre une vision de lui-même, non seulement physique mais aussi personnelle, révélant ainsi au spectateur l'opinion qu'il a de lui-même, comme on peut le voir dans l'autoportrait en sphinx. Dans ce cas particulier, il ne s'agit pas d'un seul autoportrait mais de deux, puisqu'il nous montre son propre buste peint par l'un de ses monigots emblématiques, qui sont un alter ego de l'artiste lui-même. Considéré comme la tête visible de l'art urbain dans les années 80, la carrière professionnelle imparable de Haring, qui l'a conduit à devenir le collègue de Warhol et une superstar des médias, a commencé avec son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité du travail urbain de Haring auprès des New-Yorkais a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca. L'œuvre porte l'étiquette de la Tony Shafrazi Gallery et le numéro de stock 1435, qui ne nécessite pas d'encadrement.

Bureau à cylindre en placage de satiné de fil ; de forme rectangulaire, l'abattant découvre un serre-papier à tiroirs encadrant une niche ; la façade ouvre par quatre tiroirs, dont un large au centre. Il présente deux tirettes latérales ; pieds gaines. Epoque Louis XVI (restaurations d'usage). Plateau de marbre blanc veiné gris (accidenté). H : 105 - L : 110 - P : 59 cm.

Guy de Rougemont (1935-2021) - Composition géométrique 1988 Aquarelle sur papier signé et daté en bas à droite 36 x 26 cm Rapport de condition : Encadré

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Sans titre, 1977. Encre sur papier. Signé, daté et dédié "à mon ami Martí". Dimensions : 29,5 x 19 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Dans ce dessin original de Dalí, daté de 1977, on reconnaît saint Georges à cheval armé, car Dalí a réinventé l'iconographie de ce saint en le plaçant dans des paysages de l'Empordà ou dans des décors qui renvoient à des déserts mystiques comme celui qui inspire cette composition. En d'autres occasions, il a réinterprété le thème de Saint-Georges et du dragon en langage sculptural. Dalí souhaitait représenter la dualité entre la vie et la mort, entre l'éphémère et l'éternel, les forces obscures de la nuit et celles du jour, le sommeil et la raison. C'est pourquoi il choisit des figures emblématiques comme Saint-Georges ou Don Quichotte, auquel il consacre d'ailleurs d'innombrables dessins. Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30, étant reconnue comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Francisco DE GOYA (1746-1828) Los Desastres de la Guerra Série des 80 planches Eau-forte, aquatinte, burin et pointe sèche sur papier vélin crème Recueil sous reliure cartonnée (usagée) comprenant la suite complète, sans les feuilles de titre ni de texte, sans doute en 3ème édition de 1903 Feuilles de garde jaunies avec pliures et petites déchirures, la première détachée Belles épreuves jaunies, avec de petites rousseurs et taches Montées à onglets Etching, aquatint, engraving and drypoint on cream laid paper. Complete suite in a hardback album (used), without title page and text, probably the 1903 third edition. Yellowed endpapers with folds et small tears, the first one untied. Nice copies, yellowed, with some foxings and stains Sujets environ : 17 x 22cm. Feuillets : 24 x 32cm - Sheets : 9,45 x 12,6 in. Expert : Sylvie Collignon Bibliographie : Harris 121 à 200

Hassan Massoudy (né en 1944) - Calligraphie 2007 Technique mixte sur papier signé et daté au centre, portant l’inscription “Chacun peut faire son propre bonheur. Sénèque” en bas à droite 74 x 55 cm

SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Costume", 1922. Pinceau, plume et encre de Chine sur papier. Signé et daté en bas à droite. Dimensions : 31 x 25 cm ; 52 x 43 cm (cadre). Bibliographie - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, p. 190 (illustré p. 112, avec des dimensions incorrectes et daté "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, p. 59 (illustré). Avec son style synthétique caractéristique, Delaunay crée dans cette œuvre un dessin figuratif, mettant en scène une femme. L'œuvre, en particulier les vêtements de la protagoniste, rappelle certains motifs que l'artiste a réalisés sur toile dans les années 1920. Née Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay est plus connue sous son nom de femme, qu'elle a adopté après avoir épousé Robert Delaunay. Peintre et designer française d'origine ukrainienne, elle fut, avec son mari, l'une des principales représentantes de l'art abstrait, ainsi que la créatrice du simultanéisme. Elle grandit à Saint-Pétersbourg, au contact de la collection de peintures de l'école de Barbizon de son oncle et de la vie culturelle de la ville. En 1903, elle part en Allemagne pour parfaire sa formation, où elle découvre la peinture contemporaine et étudie le dessin avec Schmidt-Reuter. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris et s'inscrit à l'Académie de la Palette, où il est également initié à la gravure par Grossman. Au cours de ces années, il se rapproche de l'avant-garde européenne par le biais de l'expressionnisme allemand, avec une œuvre qui révèle également des échos du post-impressionnisme. En 1908, il organise sa première exposition, présentant des œuvres de la période fauve qu'il vient d'initier. Deux ans plus tard, il épouse Delaunay, avec qui il partage des préoccupations esthétiques. Leur art s'oriente alors vers l'abstraction. L'artiste s'orientera ensuite vers les arts décoratifs, toujours avec un langage coloriste purement abstrait qui attirera l'attention de ses pairs mais aussi de la critique. Si, en 1912, elle revient à la peinture, sa renommée de designer est déjà établie dans toute l'Europe. Dès lors, elle participe fréquemment à d'importantes expositions européennes, telles que le Salon d'automne de Berlin ou le Salon des Indépendants à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale, elle vit en Espagne et au Portugal, où elle développe une intense activité créatrice, notamment en collaborant avec le ballet de Diaghilev. En 1921, le couple revient à Paris, où Sonia Delaunay continue à travailler sur d'importants projets, tout en exposant ses œuvres en Europe et aux États-Unis. Reconnue dès les années cinquante, des compilations de son œuvre commencent à être publiées et, en 1958, une première rétrospective lui est consacrée à Bielefeld (Allemagne). En outre, en 1975, elle a été nommée officier de la Légion d'honneur française. Actuellement, Delaunay est représentée dans de grandes collections à travers le monde, notamment au MoMA de New York, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Reina Sofia de Madrid, à l'Albertina de Vienne et à Haïfa en Israël.

Sam SZAFRAN (1934-2019) - Autoportrait, 1962. Eau-forte sur papier. Signé, daté, dédicacé "Pour Laurent Sam" et numéroté 5/10 en bas. 61 x 47 cm. Rousseurs, taches et pliures.

Paire d'écrans à main en papier imprimé et peint d'époque directoire La feuille à sept pans à décor d'un médaillon dans un encadrement, manche en bois tourné. H.39L.20,5cm usures

Gaston SUISSE (1896-1988) "Tangaras dans les cactées en fleurs" Dessin technique mixte au crayon gras et pastel sur papier Signé en bas à gauche 40 x 28 cm Encadré sous verre Au dos du cadre : étiquettes de provenance Vente J.P Osenat 28/10/2022

Sam SZAFRAN (1934-2019) - La Délirante, 1967 Lithographie sur papier. Signé et dédicacé "pour mon grand ami Fred " en bas au centre. 76 x 56 cm. Petites rousseurs, petites taches et petites pliures.

Ecole européenne du début du XIXe siècle Caprice architectural Plume, encre noire, encre grise, lavis noir et lavis gris sur papier h. 18,5 x L. 12 cm.

Pierre Alechinsky (né en 1927) - Poèmes à voir Eau-forte et lithographie sur papier signé en bas à droite et numéroté 71/125 en bas au centre 39 x 50 cm Rapport de condition : Encadré

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarelle sur papier. Signée et datée dans la partie inférieure. Dimensions : 56 x 76 cm ; 76 x 96 cm (cadre). Cette œuvre démontre des aspects totalement personnels de Barceló, impossibles à relier à ses influences ou à ses prédécesseurs, dont le plus remarquable est sa rupture avec la tradition grâce à sa recherche inlassable de nouvelles formules et à sa fascination pour les différents aspects de la nature. Cette aquarelle en est un exemple, puisque l'artiste part de la traditionnelle "vanité", mais sa technique et la tendance au tellurique nous rapprochent d'une image totalement organique qui ne transmet pas la fugacité de la vie, mais une conception cyclique de celle-ci. Dans ce travail, le Majorquin crée une œuvre d'une grande expressivité, fermement enracinée dans la nature et la tradition archaïque, qui révèle en même temps une modernité surprenante et brillante. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'art brut, un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom. C'est également en 1977 qu'il reçoit sa première commande picturale de grand format : une peinture murale pour la salle à manger d'un hôtel de Cala Millor, à Majorque. L'année suivante, à l'âge de 21 ans, il vend ses premières œuvres à quelques collectionneurs et galeries, et s'installe finalement à Barcelone. Sa reconnaissance internationale commence au début des années 80, donnant un coup de fouet définitif à sa carrière après sa participation à la Biennale de São Paulo (1981) et à la Documenta de Kassel (1982). En 1986, il reçoit le prix national des arts plastiques et, depuis lors, son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, tels que le prix Prince des Asturies pour les arts (2003) et le prix Sorolla de la Hispanic Society of America de New York (2007). Barceló est actuellement représenté dans les plus grands musées d'art du monde, tels que le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris, le Guggenheim de Bilbao, etc.

Dufy, Raoul. Sans titre. (motif). Gouache et crayon sur papier lisse couleur chamois. En bas à droite, le tampon du monogramme de Dufy et le nom de l'entreprise estampillé "Bianchini Ferier". Entre 1912 et 1928. Dimensions de la feuille : 23 x 21,5 cm. Entre 1912 et 1928, Raoul Dufy était designer chez Bianchini Ferier, une entreprise de tissage de soie fondée en 1888 à Lyon. Il créait des dessins pour des tissus coûteux comme les soies et les tapisseries. La présente aquarelle, qui a probablement servi de modèle pour une tapisserie, date de cette époque. - Montée au verso dans la marge supérieure sous passe-partout, un peu brunie, coins et bords légèrement frottés, avec deux petits trous peu visibles au milieu.

Edwaert Collier - Collier Edwaert Nature morte à la vanille avec épée, globe terrestre et instruments de musique Huile sur bois. 32 x 26,5 cm. Signé et daté en bas à droite de la partition : E. Collier 1696 / f.. Provenance Collection privée néerlandaise. Edwaert Collier est l'un des maîtres les plus célébrés de la nature morte vaniteuse hollandaise. La représentation signée et datée de 1696 montre une composition typique pour lui, dans laquelle des éléments tels que le livre ouvert, adossé au dos d'une mandoline, sont présentés de manière proéminente devant un globe terrestre et d'autres instruments disposés sur la table. La citation latine sur le papier accroché à la colonne en arrière-plan révèle au spectateur le message du tableau : "N'oublie pas que tu es mortel". Nous remercions le Dr Fred G. Meijer, Amsterdam, pour la confirmation de l'autographe sur la base de photographies numériques.

MANET (Édouard) - Sonnets et eaux-fortes. Paris, Alphonse Lemerre, 1869. In-folio, percaline à long grain rouge, filet à froid sur les plats, titre en grandes capitales dorées sur le premier, non rogné (Reliure de l'éditeur). Édition originale, publiée sous la direction de Philippe Burty. Recueil de 42 sonnets d'auteurs contemporains (Théodore de Banville, Anatole France, Théophile Gautier, Jose-Maria de Heredia, Leconte de Lisle, Verlaine, etc.), chacun d'eux étant accompagné d'une gravure à l'eau-forte. Cette remarquable illustration, en premier tirage, comprend 41 eaux-fortes originales de grands peintres ou graveurs, tels Édouard Manet dont l'eau-forte pour Fleur exotique illumine le recueil, Corot, Jongkind, Doré ou encore Millet, ainsi qu'une eau-forte reproduisant un dessin de Victor Hugo. Les planches furent détruites après le tirage. Un des 350 exemplaires sur papier vergé. Exemplaire dans le cartonnage de l'éditeur. Coiffe supérieure et partie inférieure du dos (sur 10 cm) habilement restaurées

Luigi Loir - Luigi Loir Marché aux fleurs sous la neige Gouache. 64 x 54 cm. Encadré. Provenance Collection privée Santiago du Chili. Né à Göritz en Autriche de parents français, Luigi Loir a commencé sa formation à l'Académie des Beaux-Arts de Parme en 1853. Après ses études en Italie, il s'installe à Paris où il se spécialise dans les vues et les scènes de la capitale française. Après l'achat de deux de ses toiles par le conseil municipal de Paris, il fut peu après officiellement nommé peintre des boulevards parisiens. Ce sont surtout ses œuvres exécutées à la gouache que Loir a pu vendre avec un grand succès. Elles se distinguent par une excellente technique, sont spontanées et couchées sur le papier avec la plus grande assurance et représentent de magnifiques impressions de la Belle Époque parisienne.

Inga SEMPE (née en 1968) pour HAY. Lampe de chevet «matin table lampe» en métal et papier plié lavande. H_38 cm Provenance : l'intérieur d'une collectionneuse, dans l'ancien appartement aixois de Cézanne.

Isamu Noguchi (1904-1988) Série Akari - Modèle BB1-30XN Papier Washi, métal laqué, bambou et fonte Édition Ozeki Co. Idéogramme dit "Soleil et Lune" Modèle créé en 1978 H 67,5 × L 18 × P 18 cm

Bernard BUFFET (1928-1999). Les crocus jaunes - 1987. Lithographie en couleur sur papier. Signé en bas à droite. Justifié E.A. XVIII/XXX en bas à gauche. 58 x 76 cm

GENET (Jean) - Querelle de Brest. S.l.n.d. [1947]. Grand in-4, broché, couverture rempliée, chemise cartonnée à lacets de l'éditeur. Édition originale clandestine, ornée de 29 lithographies originales hors texte à caractère érotique de Jean Cocteau dont une en frontispice. Tirage à 525 exemplaires non mis dans le commerce, numérotés et tous tirés sur vélin à la forme. Complet de la note de l'auteur (un feuillet volant), annonçant qu'Une brusque lassitude nous a fait abandonner «Querelle» qui déjà s'effilochait [...]. Petits manques de papier à la chemise cartonnée

DISCOVERY - Aurora Australis Avril 1991 Tirage couleur d'époque sur papier Kodak filigrané, 255x205 mm, logo NASA au recto, légende mimographiée au verso.

Demand, Thomas. La galerie nationale. Légendes de Botho Strauß. Avec 39 C-prints originaux montés. Londres, Steidl Mack, 2009. non paginé. 40 x 41,5 cm. Reliure en toile blanche originale avec titre en relief argenté sur le couvercle et le dos dans l'étui en toile original (celui-ci est légèrement frotté). Un des 38 (GA 40) exemplaires numérotés, signés sur le premier feuillet par Thomas Demand et Botho Strauß. - Le volume réalisé à la main par "Book Works, London" faisait partie intégrante de la grande exposition individuelle de Thomas Demand à la Neue Nationalgalerie de Berlin en 2009/2010, qui présentait 38 (ou 39) œuvres grand format de l'artiste né à Munich en 1964. Botho Strauß a rédigé un texte pour chacune des photographies, qui se présentait sous la forme d'un volume ouvert comme "légende" des œuvres grandeur nature de Demand, exposées dans des vitrines (les deux photographies "Sprungturm" et "Brennerautobahn" de 1994 sont traitées comme une paire assortie). - Strauß a par exemple médité sur la "Salle de bain" de Demand, une photographie du modèle en papier de la "baignoire de Barschel" : "L'homme, dit-on, est le seul être qui peut se regarder vivre". Demand, inspiré par la photo iconique de la scène de crime reproduite des millions de fois sur la couverture du STERN, avait même réussi à faire lui-même la couverture du New York Time Magazine en 2008 avec sa reproduction fidèle du bureau ovale. - Un résultat impeccable. - Avec : photographie de la vitrine (10 x 15 cm) dans laquelle le présent volume 38 était exposé dans le bâtiment lumineux du musée de Mies van der Rohe en tant que "légende" de la dernière œuvre de l'exposition Demand : "Kabine", un C-Print de 180 x 254 cm datant de 2002.

Fabien Verschaere (né en 1975) - Story Fluxus 3169 2018 Aquarelle sur papier signé, daté et titré au dos 57 x 37,5 cm

Jacques Monory (1924-2018) - Formule 1 Sérigraphie sur papier signé en bas à droite, numéroté 74/190 en bas à gauche 54 x 73 cm Rapport de condition : Encadré

ALEXANDER CALDER 1898-1976 Taches de rousseur (extrait de La Mémoire Eléméntaire) 1976 - Lithographie en couleurs sur papier Arches, éd. 49/100. 52,10 x 72,10 cm Signée et numérotée au recto en bas. Feuillet n° 2 de la célèbre chemise imprimée par Arts-Litho pour les Editions de la Différences, Paris. Œuvre accompagnée d'un certificat d'authenticité de la Galleria d'Arte Internazionale, Mestre.

Marc CHAGALL (1887-1985). La tour Eiffel verte - 1957. Lithographie en couleur sur papier. Signé en bas à droite. Justifié E.A. en bas à gauche. 38 x 28 cm (rousseurs). Note : Édition à 90 exemplaires Bibliographie : Catalogue Raisonné Mourlot n° 201

Jean-Pierre CASSIGNEUL (1935) - Femme au chapeau en bord de mer. Lithographie en couleurs sur papier. Signé en bas à droite et numéroté 122/200 en bas à gauche. 57,5 x 76 cm (à vue). Petites taches.

Jean MIOTTE (1926-2016) - Sans titre. Lithographie en couleurs sur papier. Signé en bas à droite et numéroté 97/100 en bas à gauche. 73 x 53 cm (à vue).

Aliye Berger (1903-1974) - Leylekler, Selçuk (Cigognes) Eau-forte et aquatinte sur papier signé en bas à droite, titré et daté en bas à gauche 51 x 26 cm Rapport de condition : Encadré, dimensions à vue Aliye Berger est une peintre et graveuse turque née à Istanbul dans une famille d’artistes et d’intellectuels : sa sœur est la peintre Fahrelnissa Zeid et son frère l’écrivain Cevat Şakir Kabaağaçlı.

PHILIPPE SHANGTI LUXURY DINNER BLACK & WHITE, 2015 Signé, numéroté 1/77 Tirage sur papier type lithographie 50 X 70 cm Don de l'artiste Si Philippe Shangti dénonce les vices de ce monde avec esthétisme, c'est pour inscrire efficacement ses combats dans l'esprit du public, avec bienveillance et profondeur. Sans jamais franchir les frontières du sermon moralisateur ni de la vulgarité, l'artiste réalise des visuels plus beaux que violents afin de véhiculer ses messages au plus grand nombre. Il attache une grande importance aux détails, à la symétrie, aux perspectives et à l'équilibre des différents éléments de ses oeuvres

ANTONIO GAUDENCIO DANS LA BRUME Tirage d'auteur signé Tirage Fine Art sur papier Canson Infinity Rag Photographique, encadré avec passe partout 35 X 52 cm Don de l'artiste La lumière mon inspiration. En photographie de paysage, elle est incontrôlable, furtive, capricieuse. Le photographe ne la maîtrise pas, elle décide. Patient, il contemple et devient alors observateur, admirateur même, dans l'attente qu'elle s'offre ou non à son objectif. Pour moi toute la richesse, l'essence même de mon activité de photographe paysagiste est là. Ce sentiment d'incertitude, l'espoir de réussir à capter l'instant précis où elle viendra, peut-être, révéler toute la beauté naturelle d'un paysage. Antonio Gaudencio est ambassadeur Canson Infinity.

Paul Ackerman (1908-1981) - Composition en jaune et vert [+1 œuvre] Huile sur toile On y joint 3 petites encres et gouache sur papier dans un même encadrement, l’un signé en bas à droite 30 x 46 cm

Takeo ADASHI (1945-2009) Dessin Graphite sur papier, signée en bas à droite 17,2 x 17,2 cm Provenance : collection de Maine Durieu

LA FONTAINE (Jean de) - Fables. Imprimé par ordre du Roi pour l'éducation de Monseigneur le Dauphin. Paris, De l'Imprimerie de Didot l'aîné, 1788. In-4, maroquin rouge, triple filet doré, dos orné, roulette intérieure, doublure et gardes de moire bleue, tranches dorées (Reliure de l'époque). Superbe édition typographique, l'un des chefs-d'œuvre des Didot. Elle a été imprimée avec le plus grand soin au nombre de 250 exemplaires sur papier vélin. Bel exemplaire, à grandes marges, dans une élégante reliure en maroquin rouge. Petite restauration de papier dans le fond des 3 premiers feuillets. Dos plissé

Isamu Noguchi (1904-1988) Série Akari - Modèle 31N Lampadaire Papier Washi, métal laqué et fonte Édition Ozeki & Co. Idéogramme dit 'Soleil et Lune' et signé 'I. Noguchi' Modèle créé en 1985 H 188 x Ø 31 cm

Pablo PICASSO (1881-1973) Deux buveurs catalans, planche 12 de la Suite Vollard Eau-forte sur papier vergé de Montval au filigrane Picasso Porte une signature (non garantie) Etching on Montval laid paper with the Picasso watermark. Bears a signature Sujet : 23,7 x 29,5cm. Feuillet : 33,5 x 44cm - Image : 9,34 x 11,62 in. Sheet : 13,19 x 17,33 in. Expert : Sylvie Collignon Bibliographie : Bloch 228, Geiser 442

Albert MARQUET (1875-1947) Venise Lithographie en couleur sur papier Signé (dans la planche) en bas à droite 29 x 22 cm

COLUMBIA MISSION STS-52 - Le lever du soleil rencontre le lever de la lune Octobre 1992 Tirage couleur d'époque sur papier Kodak filigrané, 255x205 mm, logo NASA au recto, légende mimographiée au verso.