Objets de collection

Geneviève Asse (1923-2021) - Composition circa 1978 Huile sur papier signé au dos 14,2 x 10,7 cm Rapport de condition : Encadré Peintre à l’origine de la teinte “bleu Asse”, qui porte son nom. Originaire du Morbihan, le ciel et la mer semblent avoir eu un impact majeur dans l’oeuvre de l’artiste, ses toiles déclinant une infinité de teintes de bleu. Ses tableaux, pour la grande majorité, montrent une recherche vers l’abstraction et un travail de l’espace.

Invader (né en 1969) - Répétition, Variation, Évolution 2017 Sérigraphie sur papier 88 x 65,5 cm Provenance : > Atelier Orbis Pictus Club, Paris (tampon au dos) Vendu sur réitération des enchères suite à l'impayé de monsieur Lionel Gérard, Crissier (Suisse)

Gérard Schlosser (1931-2022) - A la radio 2013 Estampe pigmentaire sur papier Hahnemühle signé en bas à gauche, numéroté 7/20 en bas à droite 75 x 75 cm Rapport de condition : Encadré

Maestro della Scuola Fiamminga del XVII secolo - Maître de l'école flamande du XVIIe siècle Le Christ et la femme adultère Huile sur toile 137,5 x 195,5 cm Cette œuvre exceptionnelle peut être attribuée à l'école flamande du XVIIe siècle. Pour une reconstitution historique et artistique précise de l'œuvre, il nous semble indispensable de mentionner l'existence d'une aquarelle sur papier presque identique, aujourd'hui dans une collection privée italienne, ayant appartenu à Sir Joshua Reynolds. Il considérait l'œuvre comme authentiquement réalisée par Antoon van Dyck (voir photo ci-jointe) et c'est à ce titre qu'elle est passée, après sa mort, entre les mains de sa nièce, qui l'a vendue aux enchères chez Phillips en mars 1798. Les coups de pinceau rapides et précis, savamment dosés même dans l'épaisseur, permettent de penser qu'il s'agit d'un chef-d'œuvre d'un grand maître, malheureusement encore anonyme. Maître de l'école flamande du XVIIe siècle Le Christ et la femme adultère Huile sur toile 137,5 x 195,5 cm Cette œuvre exceptionnelle appartient à l'école flamande du XVIIe siècle. Pour une reconstruction historico-artistique précise de l'œuvre, nous pensons qu'il est essentiel de mentionner l'existence d'une aquarelle sur papier, aujourd'hui dans une collection privée italienne, presque identique et ayant appartenu à Sir Joshua Reynolds. Il considérait l'œuvre comme authentiquement réalisée par Antoon van Dyck (voir la photo ci-jointe) et, à ce titre, elle est passée, après sa mort, entre les mains de sa nièce, qui l'a vendue aux enchères chez Phillips en mars 1798. Le coup de pinceau rapide et précis, mesuré de manière experte, y compris en épaisseur, permet de penser que nous sommes en présence d'un chef-d'œuvre d'un grand maître, malheureusement encore anonyme.

Renault R4, PI 03/1968, kilométrage lu 65.269 km, HU expiré, immatriculation H, 19 kW/25 ch, boîte manuelle, verte, tissu noir, manuel d'utilisation, dernière inspection au km 65.143 km, facture disponible

VAN CLEEF AND ARPELS. Sautoir Vintage Alhambra 20 motifs en or rose 750°/°° orné de nacre gris/vert et diamants (120 pour 4cts83 – DEF-IF-VVS). Signé et numéroté avec boîte, surboîte, certificat, papiers et pochette de voyage). L.86cm.

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Lithographie 353 1991 Lithographie sur papier signé et daté en bas à droite, numéroté 29/99 en bas à gauche 54,5 x 74,5 cm Rapport de condition : Encadré sous verre

Shepard Fairey (né en 1970) & Invader (né en 1969) - Los Angeles - épreuves d’atelier [2 œuvres] Sérigraphie sur papiers, d’un tirage à 300 exemplaires Dim. 19,5 x 27 cm et 18 x 27 cm Provenance : > Atelier Orbis Pictus Club, Paris (tampon au dos) Vendu sur réitération des enchères suite à l'impayé de monsieur Lionel Gérard, Crissier (Suisse)

Canne à système en laurier, - Canne à système en laurier, poignée en métal argenté avec boitier dans le pommeau, œil maçonnique sur le dessus. Longueur : 91 cm.

Ecole flamande du XVIIIe siècle Allégorie de l'Abondance Plume et encre noire, lavis gris sur papier bleu 20,5 x 21 cm

Paire de cannes Art nouveau à pommeau de bronze - Paire de cannes Art nouveau à pommeau de bronze patiné en forme de femme nue arc-boutée en arrière, reposant le pied sur une tête de bélier et l’autre debout, tenant un drap derrière elle; fût en jonc. Longueur : 91 cm.

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Lithographie 236 1973 Lithographie sur papier signé et daté en bas à droite et numéroté 68/120 en bas à gauche 46,5 x 73,5 cm Rapport de condition : Encadré

Arkhip Ivanovich Kuindszhi - Arkhip Ivanovich Kuindszhi Le mont Elbrouz dans le Caucase Huile sur papier, montée sur carton. 22,5 x 30 cm. Encadré sous verre. Provenance Propriété privée allemande depuis plusieurs générations. Au dos, étiquette du catalogue raisonné de Kuindszhi avec confirmation en cyrillique et numéro 146. Le style de Kuindszhi est illustré dans cette étude à l'huile par la composition minimaliste ainsi que par la lumière et les couleurs dramatiques. Il a immortalisé le mont Elbrouz dans le Caucase dans plusieurs études, dont une vue au clair de lune réalisée en 1895 et exposée à la galerie Tretiakov à Moscou. Kuindszhi a voyagé dans le Caucase de 1888 à 1909 et a réalisé plusieurs séries représentant les paysages montagneux du Caucase et le mont Elbrouz à différents moments de la journée. L'artiste est né sur la côte à Mariupol, alors que la ville ukrainienne faisait encore partie de l'Empire russe. Kuindzhi, qui descendait de Grecs pontiques de Crimée, parlait le grec, le tartare de Crimée, le russe et l'ukrainien, une compétence qui lui a bien servi lors de son voyage autour du nord de la mer Noire, puis à Saint-Pétersbourg. Là, il a fréquenté les Peredwischniki, un groupe d'exposition révolutionnaire, et a ensuite été un professeur influent à l'Académie des Beaux-Arts. C'est à son initiative qu'une société d'artistes appelée A. Kuindzhi a été fondée en 1909 et a existé jusqu'en 1930. Nicholas Roerich faisait partie de ses étudiants les plus célèbres depuis 1895. En mars 2022, le musée d'art Kuindzhi de Mariupol, en Ukraine, a été détruit par une attaque aérienne russe.

KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Autoportrait, 1987. Encre sur papier. L'œuvre porte l'étiquette de la galerie Tony Shafrazi et le numéro de stock 1435, exempté d'encadrement. Encadré avec un verre de musée. Signé et daté sur le côté droit. Dimensions : 26 x 32,5 cm ; 43 x 49 cm (cadre). Keith Haring s'est représenté à de nombreuses reprises, toujours avec ses lunettes emblématiques comme sceau d'identité. Dans ces autoportraits, l'artiste offre une vision de lui-même, non seulement physique mais aussi personnelle, révélant ainsi au spectateur l'opinion qu'il a de lui-même, comme on peut le voir dans l'autoportrait en sphinx. Dans ce cas particulier, il ne s'agit pas d'un seul autoportrait mais de deux, puisqu'il nous montre son propre buste peint par l'un de ses monigots emblématiques, qui sont un alter ego de l'artiste lui-même. Considéré comme la tête visible de l'art urbain dans les années 80, la carrière professionnelle imparable de Haring, qui l'a conduit à devenir le collègue de Warhol et une superstar des médias, a commencé avec son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité du travail urbain de Haring auprès des New-Yorkais a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca. L'œuvre porte l'étiquette de la Tony Shafrazi Gallery et le numéro de stock 1435, qui ne nécessite pas d'encadrement.

Chagall, Marc. Notre-Dame et la Tour Eiffel. Lithographie en couleur sur papier. Signé en bas au centre. 1960. dimensions de la feuille : 32 x 24 cm. Mourlot 285 - Probablement un des 100 exemplaires non numérotés. - Coins et bords légèrement frottés, sinon bon état. VAT : #

Cadre vitrine contenant des papillons. Dim: 26x39cm

Canne Art Nouveau érotique au pommeau d’argent - Canne Art Nouveau érotique au pommeau d’argent (925) au sujet mythologique « Léda et le Cygne », bague en métal argenté et férule en cuivre ; fût en bois verni ; vers 1900. Longueur : 93, 5 cm.

Bureau à cylindre en placage de satiné de fil ; de forme rectangulaire, l'abattant découvre un serre-papier à tiroirs encadrant une niche ; la façade ouvre par quatre tiroirs, dont un large au centre. Il présente deux tirettes latérales ; pieds gaines. Epoque Louis XVI (restaurations d'usage). Plateau de marbre blanc veiné gris (accidenté). H : 105 - L : 110 - P : 59 cm.

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Annonciation, Moments Eau-forte sur papier signé en bas à droite, numéroté XVII/XX en bas à gauche 28 x 25 cm Rapport de condition : Encadré Issu de la suite de 7 aquatintes illustrant l’ouvrage : [ZAO WOU-KI] - Henri MICHAUX. [Paris], Les Bibliophiles de l'Automobile Club de France, 1996.

Guy de Rougemont (1935-2021) - Composition géométrique 1988 Aquarelle sur papier signé et daté en bas à droite 36 x 26 cm Rapport de condition : Encadré

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Sans titre, 1977. Encre sur papier. Signé, daté et dédié "à mon ami Martí". Dimensions : 29,5 x 19 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Dans ce dessin original de Dalí, daté de 1977, on reconnaît saint Georges à cheval armé, car Dalí a réinventé l'iconographie de ce saint en le plaçant dans des paysages de l'Empordà ou dans des décors qui renvoient à des déserts mystiques comme celui qui inspire cette composition. En d'autres occasions, il a réinterprété le thème de Saint-Georges et du dragon en langage sculptural. Dalí souhaitait représenter la dualité entre la vie et la mort, entre l'éphémère et l'éternel, les forces obscures de la nuit et celles du jour, le sommeil et la raison. C'est pourquoi il choisit des figures emblématiques comme Saint-Georges ou Don Quichotte, auquel il consacre d'ailleurs d'innombrables dessins. Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30, étant reconnue comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Seau à glaçons en résine, figurant une pomme (années 70). D14cm H17cm

Francisco DE GOYA (1746-1828) Los Desastres de la Guerra Série des 80 planches Eau-forte, aquatinte, burin et pointe sèche sur papier vélin crème Recueil sous reliure cartonnée (usagée) comprenant la suite complète, sans les feuilles de titre ni de texte, sans doute en 3ème édition de 1903 Feuilles de garde jaunies avec pliures et petites déchirures, la première détachée Belles épreuves jaunies, avec de petites rousseurs et taches Montées à onglets Etching, aquatint, engraving and drypoint on cream laid paper. Complete suite in a hardback album (used), without title page and text, probably the 1903 third edition. Yellowed endpapers with folds et small tears, the first one untied. Nice copies, yellowed, with some foxings and stains Sujets environ : 17 x 22cm. Feuillets : 24 x 32cm - Sheets : 9,45 x 12,6 in. Expert : Sylvie Collignon Bibliographie : Harris 121 à 200

Pendentif en ivoire sculpté en forme de rose. Longueur 7 cm. (Deux légers manques).

Canne érotique - Canne érotique à pommeau en forme de phallus en érection, bague en cuivre signée « St Pierre Liège », fût en bois d’amarante et férule en métal argenté. Longueur : 96, 5 cm.

Hassan Massoudy (né en 1944) - Calligraphie 2007 Technique mixte sur papier signé et daté au centre, portant l’inscription “Chacun peut faire son propre bonheur. Sénèque” en bas à droite 74 x 55 cm

SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Costume", 1922. Pinceau, plume et encre de Chine sur papier. Signé et daté en bas à droite. Dimensions : 31 x 25 cm ; 52 x 43 cm (cadre). Bibliographie - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, p. 190 (illustré p. 112, avec des dimensions incorrectes et daté "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, p. 59 (illustré). Avec son style synthétique caractéristique, Delaunay crée dans cette œuvre un dessin figuratif, mettant en scène une femme. L'œuvre, en particulier les vêtements de la protagoniste, rappelle certains motifs que l'artiste a réalisés sur toile dans les années 1920. Née Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay est plus connue sous son nom de femme, qu'elle a adopté après avoir épousé Robert Delaunay. Peintre et designer française d'origine ukrainienne, elle fut, avec son mari, l'une des principales représentantes de l'art abstrait, ainsi que la créatrice du simultanéisme. Elle grandit à Saint-Pétersbourg, au contact de la collection de peintures de l'école de Barbizon de son oncle et de la vie culturelle de la ville. En 1903, elle part en Allemagne pour parfaire sa formation, où elle découvre la peinture contemporaine et étudie le dessin avec Schmidt-Reuter. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris et s'inscrit à l'Académie de la Palette, où il est également initié à la gravure par Grossman. Au cours de ces années, il se rapproche de l'avant-garde européenne par le biais de l'expressionnisme allemand, avec une œuvre qui révèle également des échos du post-impressionnisme. En 1908, il organise sa première exposition, présentant des œuvres de la période fauve qu'il vient d'initier. Deux ans plus tard, il épouse Delaunay, avec qui il partage des préoccupations esthétiques. Leur art s'oriente alors vers l'abstraction. L'artiste s'orientera ensuite vers les arts décoratifs, toujours avec un langage coloriste purement abstrait qui attirera l'attention de ses pairs mais aussi de la critique. Si, en 1912, elle revient à la peinture, sa renommée de designer est déjà établie dans toute l'Europe. Dès lors, elle participe fréquemment à d'importantes expositions européennes, telles que le Salon d'automne de Berlin ou le Salon des Indépendants à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale, elle vit en Espagne et au Portugal, où elle développe une intense activité créatrice, notamment en collaborant avec le ballet de Diaghilev. En 1921, le couple revient à Paris, où Sonia Delaunay continue à travailler sur d'importants projets, tout en exposant ses œuvres en Europe et aux États-Unis. Reconnue dès les années cinquante, des compilations de son œuvre commencent à être publiées et, en 1958, une première rétrospective lui est consacrée à Bielefeld (Allemagne). En outre, en 1975, elle a été nommée officier de la Légion d'honneur française. Actuellement, Delaunay est représentée dans de grandes collections à travers le monde, notamment au MoMA de New York, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Reina Sofia de Madrid, à l'Albertina de Vienne et à Haïfa en Israël.

Paire d'écrans à main en papier imprimé et peint d'époque directoire La feuille à sept pans à décor d'un médaillon dans un encadrement, manche en bois tourné. H.39L.20,5cm usures

Gaston SUISSE (1896-1988) "Tangaras dans les cactées en fleurs" Dessin technique mixte au crayon gras et pastel sur papier Signé en bas à gauche 40 x 28 cm Encadré sous verre Au dos du cadre : étiquettes de provenance Vente J.P Osenat 28/10/2022

Canne à système à pommeau milord doré - Canne à système à pommeau milord doré avec couvercle, dissimulant une montre (Barillet, France) ; le fût en bois exotique dissimule en lame trois-quarts. Très bon état. Longueur : 89 cm.

Sam SZAFRAN (1934-2019) - La Délirante, 1967 Lithographie sur papier. Signé et dédicacé "pour mon grand ami Fred " en bas au centre. 76 x 56 cm. Petites rousseurs, petites taches et petites pliures.

Rare albarello gothique avec décoration pseudo-coufique Majolique, décor bleu. Cylindrique sur élévation conique, col biconique. Décor stylisé multizones avec frottis d'émail, fissures. H 33,5 cm. Montelupo, vers 1440 - 1450. Le terme "pseudo-coufique", utilisé pour la première fois par Bernard Rackham et J.V.G. Mallett en 1977, désigne ce type de décor qui orne les récipients de manière non figurative, sur le modèle islamique. Il était connu en Italie au XVe siècle grâce aux majoliques peintes de manière similaire de Valence, qui étaient importées en grand nombre et qui ont inspiré aux céramistes de Montelupo leur propre interprétation. Les quelques albarelli que l'on attribue à ce premier groupe sont en grande partie en possession des musées. Un petit exemplaire a été vendu aux enchères le 28 octobre 2014 chez Pandolfini Casa d'Aste à Florence en tant que lot 2. Provenance Collection privée rhénane. Littérature Cf. Rackham/Mallett, Catalogue of Italian maiolica, Victoria & Albert Museum London 1977, no 51, acc. no 1143-1904, no 52, acc. no 1150-1904 et no 68, acc. no 1147-1904. Cf. Mez-Mangold, Apotheken-Keramik-Sammlung "Roche" Katalog, Bâle 1990, p. 99, inv. n° 244. Cf. Mariaux, La majolique. La faïence italienne et son décor dans les collections suisses XVe - VIIIe siècles, Genève-Lucerne 1995, cat. n° 13, ill. p. 74. Cf. cat. Capolavori della maiolica rinascimentale. Montelupo fabbrica di Firenze 1400 - 1630, 2002, n° 12 (d'une collection privée toscane).

Lot de 7 vinyles 33 tours dont Supertramp et Pinkfloyd. Usures.

Pierre Alechinsky (né en 1927) - Poèmes à voir Eau-forte et lithographie sur papier signé en bas à droite et numéroté 71/125 en bas au centre 39 x 50 cm Rapport de condition : Encadré

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarelle sur papier. Signée et datée dans la partie inférieure. Dimensions : 56 x 76 cm ; 76 x 96 cm (cadre). Cette œuvre démontre des aspects totalement personnels de Barceló, impossibles à relier à ses influences ou à ses prédécesseurs, dont le plus remarquable est sa rupture avec la tradition grâce à sa recherche inlassable de nouvelles formules et à sa fascination pour les différents aspects de la nature. Cette aquarelle en est un exemple, puisque l'artiste part de la traditionnelle "vanité", mais sa technique et la tendance au tellurique nous rapprochent d'une image totalement organique qui ne transmet pas la fugacité de la vie, mais une conception cyclique de celle-ci. Dans ce travail, le Majorquin crée une œuvre d'une grande expressivité, fermement enracinée dans la nature et la tradition archaïque, qui révèle en même temps une modernité surprenante et brillante. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'art brut, un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom. C'est également en 1977 qu'il reçoit sa première commande picturale de grand format : une peinture murale pour la salle à manger d'un hôtel de Cala Millor, à Majorque. L'année suivante, à l'âge de 21 ans, il vend ses premières œuvres à quelques collectionneurs et galeries, et s'installe finalement à Barcelone. Sa reconnaissance internationale commence au début des années 80, donnant un coup de fouet définitif à sa carrière après sa participation à la Biennale de São Paulo (1981) et à la Documenta de Kassel (1982). En 1986, il reçoit le prix national des arts plastiques et, depuis lors, son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, tels que le prix Prince des Asturies pour les arts (2003) et le prix Sorolla de la Hispanic Society of America de New York (2007). Barceló est actuellement représenté dans les plus grands musées d'art du monde, tels que le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris, le Guggenheim de Bilbao, etc.

Dufy, Raoul. Sans titre. (motif). Gouache et crayon sur papier lisse couleur chamois. En bas à droite, le tampon du monogramme de Dufy et le nom de l'entreprise estampillé "Bianchini Ferier". Entre 1912 et 1928. Dimensions de la feuille : 23 x 21,5 cm. Entre 1912 et 1928, Raoul Dufy était designer chez Bianchini Ferier, une entreprise de tissage de soie fondée en 1888 à Lyon. Il créait des dessins pour des tissus coûteux comme les soies et les tapisseries. La présente aquarelle, qui a probablement servi de modèle pour une tapisserie, date de cette époque. - Montée au verso dans la marge supérieure sous passe-partout, un peu brunie, coins et bords légèrement frottés, avec deux petits trous peu visibles au milieu.

MANET (Édouard) - Sonnets et eaux-fortes. Paris, Alphonse Lemerre, 1869. In-folio, percaline à long grain rouge, filet à froid sur les plats, titre en grandes capitales dorées sur le premier, non rogné (Reliure de l'éditeur). Édition originale, publiée sous la direction de Philippe Burty. Recueil de 42 sonnets d'auteurs contemporains (Théodore de Banville, Anatole France, Théophile Gautier, Jose-Maria de Heredia, Leconte de Lisle, Verlaine, etc.), chacun d'eux étant accompagné d'une gravure à l'eau-forte. Cette remarquable illustration, en premier tirage, comprend 41 eaux-fortes originales de grands peintres ou graveurs, tels Édouard Manet dont l'eau-forte pour Fleur exotique illumine le recueil, Corot, Jongkind, Doré ou encore Millet, ainsi qu'une eau-forte reproduisant un dessin de Victor Hugo. Les planches furent détruites après le tirage. Un des 350 exemplaires sur papier vergé. Exemplaire dans le cartonnage de l'éditeur. Coiffe supérieure et partie inférieure du dos (sur 10 cm) habilement restaurées

Ensemble de 13 spécimens botaniques comprenant fleurs, inflorescences et graines montés sur socle tourné en bois dont Artichaut, Coton, Pavot, Rose, Lotus, Proteacea spp (Protea spp) collecté en Afrique du Sud Idéal cabinet de curiosités Vendu en l'état Espèces végétales non reprises à la Convention de Washington (CITES), au Règlement communautaire européen 338/97 du 09/12/1996 et au Code de l'environnement français. Expert : Michaël Combrexelle - 06 25 10 81 67

Harpe de Cousineau Bois ébonisé et doré, placage d'érable, fer forgé, bronze doré au feu, laiton, filet d'ivoire, fil de fer. Gravé en haut "COUSINEAU PERE ET FILS À PARIS", numéro estampé et doré "E 277". H 176,3, P 81 cm. Paris, Georges (1733 - 1800) et Jacques-Georges (1760 - 1836) Cousineau, 1775 - 1800. Son et beauté La jeune Marie-Antoinette, arrivée à Paris en 1770 en tant qu'épouse de l'héritier du trône de France, déclencha, en tant que joueuse de harpe enthousiaste, une véritable mode pour cet instrument. Les facteurs de harpe les plus demandés de cette époque étaient Sébastien Erard, Georges Cousineau et Jean-Henri Naderman. Tous trois travaillaient en étroite collaboration avec Jean Baptiste Krumpholtz, peut-être le plus grand harpiste de son époque. La propre harpe de Marie-Antoinette était également l'œuvre de Jean-Henri Naderman et se trouve à Versailles, où elle peut être visitée. La harpe présentée ici est signée Cousineau Père et fils. L'entreprise a été fondée par Georges Cousineau en 1766. En 1775, son fils Jacques-Georges Cousineau entra dans l'entreprise en tant qu'associé. Comme cet exemplaire, leurs harpes étaient généralement équipées de sept pédales. Ces pédales actionnaient, par le biais d'un mécanisme de béquilles, une série de béquilles ou doubles leviers qui permettaient d'élever chaque corde d'un demi-ton plus précisément qu'il n'était possible de le faire auparavant. Après la mort de son père, Jacques-Georges a continué à fabriquer des instruments, mais sous son propre nom de "Luthier et Maître de Harpe de l'impératrice Joséphine". Il se produisit également comme harpiste et écrivit des compositions. Les harpes de Cousineau se trouvent entre autres dans les collections des musées suivants : Victoria and Albert Museum London, acc. no. 8531-1863. The Metropolitan Museum of Art New York, acc. no. 52.105, Gift of Mrs. Simon Guggenheim, 1952. Expertise Autorisation de commercialisation disponible pour le marché intérieur de l'UE (DE-K-230201-14). Cet objet a été fabriqué à l'aide de matériaux pour lesquels un permis CITES est requis en cas d'exportation vers des pays hors de l'UE. Nous attirons votre attention sur le fait qu'en règle générale, une autorisation n'est pas délivrée.

Inga SEMPE (née en 1968) pour HAY. Lampe de chevet «matin table lampe» en métal et papier plié lavande. H_38 cm Provenance : l'intérieur d'une collectionneuse, dans l'ancien appartement aixois de Cézanne.

Cadre vitrine contenant des papillons. Dim: 26x39cm

Isamu Noguchi (1904-1988) Série Akari - Modèle BB1-30XN Papier Washi, métal laqué, bambou et fonte Édition Ozeki Co. Idéogramme dit "Soleil et Lune" Modèle créé en 1978 H 67,5 × L 18 × P 18 cm

Ensemble d'oeuvres du XIXe et XXe siècle comprenant : - P. Vigneron (XXe siècle), "Paysage au colombier", aquarelle sur papier, H. 12 x L. 15 cm. (encadré) ; - Ecole française du XXe siècle, "Maisons au bord du lac", huile sur bois, 15x28 cm ; - Ecole française du XXe siècle, "Portrait d'Anne de profil", crayon et estompe, 25x21 cm ; - Ecole française du XIXe siècle, "Portrait de femme au bouquet", miniature, 7x5 cm (encadré) ; - Auguste LEPERE, "Route de Saint Gilles en Vendée", encre sur papier, 19x14 cm ; - Ecole francaise du XXe siècle, "Paysage à la tour", pastel sur papier, signé en bas à droite, 24x30 cm. - Ecole française du XXe siècle, "Portrait d'homme", huile sur carton, signé en bas à gauche, 33 x 25 cm.

Paire de serre-livres en bois sculpté de style Art Déco, figurant des têtes de tigres 14x10cm H15cm

JEAN-MICHEL LENOIR TOWARD THE LIGHT Signé, numéroté 4/10 Tirage Fine Art sur papier Canson Infinity Edition Eching Rag Encadrement caisse américaine Atelier Fotodart 105 X 70 cm Don de l'artiste L'origine de la passion de Jean-Michel Lenoir pour la photographie, trouve sa naissance dans le lien qui l'unit à la nature, dans ce qu'elle a de plus beau et de plus sauvage. Le temps passé dans la nature peut s'apparenter pour lui à une quête d'ambiances fortes où la lumière et la recherche du beau sont des repères, des marqueurs esthétiques. Il recherche les images simples, celles qui vont à l'essence du sujet en ne mettant en scène que peu d'éléments. C'est sa manière de raconter des histoires, de traduire sa sensibilité, à l'image de ses derniers livres "Evanescence" (2019) et "Éléments" (2021). Ses images ont été récompensées aux prestigieux concours du BBC Wildlife Photographer of the Year, Asferico et GDT. Elles sont diffusées en galerie d'Art chez Blin plus Blin-Paris, et Nicolas Auvray - New-York.

Bernard BUFFET (1928-1999). Les crocus jaunes - 1987. Lithographie en couleur sur papier. Signé en bas à droite. Justifié E.A. XVIII/XXX en bas à gauche. 58 x 76 cm

Presse-papier sulfure à décor de grenouille et de fleurs. Diamètre 10 cm. Porte une signature

Globe terrestre lumineux en résine, métal et marbre. Haut.: 30 cm (légères taches)

IRAN Miniature sur ivoire figurant une scène de polo. 10 x 6 cm (à vue). Cadre en bois marqueté, 26 x 20 cm(quelques manques)

Gorgone (Gorgonacea spp) (NR) : Beau spécimen monté sur socle, coloration blanche. Hauteur avec socle : 137 cm environ Largeur médiane : 65 cm environ Vendu en l'état Espèce de cnidaire non reprise à la Convention de Washington (CITES), au Règlement communautaire européen 338/97 du 09/12/1996 et au Code de l'environnement français. Expert : Michaël Combrexelle - 06 25 10 81 67