Aquarelles

Lots recommandés

FIDUS, eigentl. HUGO HÖPPENER_x001D_ Lübeck 1868 - 1948 Berlin-Wolterdorf - FIDUS, de son vrai nom HUGO HÖPPENER_x001D_ Lübeck 1868 - 1948 Berlin-Wolterdorf "Yggdrasil" (Le frêne du monde). Sous l'arbre du monde Yggdrasil, les Nornes Urd, Werdandi et Skuld tissent le fil de la vie à la source du destin. Aquarelle sur vélin, montée sur carton 1906/1934. J. Frecot, J. F. Geist et D. Kerbs, FIDUS 1868 - 1948. Zur ästhetischen Praxis bürgerlicher Fluchtbewegungen, München 1972, 5.1 (Bildnerische Tätigkeit) Nr. 1934 4. - Signé, daté "34", titré et désigné par les noms des Nornes. Au verso, sur le dos du cadre, signé, titré et désigné "Yggdeasil / Conçu en 1906, comme modèle / pour un décor de théâtre achevé / Heuert 1934" et sur étiquette adhésive, désigné à la plume brune "Exposition Darmstadt 1935/Weltesche Yggdrasil / Projet d'aquarelle / Propriété de Fr. Geh. Rt. Merck / Darmstadt / Fidus". 55,5 x 65 cm (y compris le cadre : 68 x 86 cm). Légèrement bruni et avec de minuscules dommages marginaux. En 1889-92, après s'être installé à Berlin, Fidus entreprit entre autres des voyages en Norvège, qu'il mit à profit pour développer le style qu'il avait en tête et pour rassembler des études et des motifs pour ses compositions. La vision théosophique du monde de l'artiste englobait également le monde des figures d'inspiration nordique. Ainsi, dans la mythologie germano-nordique, l'arbre du monde Yggdrasil - également appelé frêne du monde - relie différents mondes entre eux. Son tronc et ses branches s'étendent sur tout le monde et forment ainsi un pont entre le ciel, la terre et le monde souterrain. Grâce à ses branches, l'Yggdrasil est également considéré comme un support céleste, tandis que les Nornes situées en dessous déterminent la durée de vie des hommes. Fidus place ici l'imposant frêne au centre de l'image, les branches et les feuilles remplissent de manière ornementale tout l'espace de l'image, qui est encadré par une bordure avec des formes géométriques et des runes svastika dans les coins. Les couleurs dominantes dans les tons brun/vert ne sont interrompues que par la robe rouge de la Norne Werdandi et par un petit écureuil rougeâtre sur le tronc de l'arbre. Le motif a été publié sous le n° 207 en tant que carte postale par les éditions Fidus en 1934. Dans un cadre original. [bg]

Estim. 5 400 - 5 400 EUR

EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ (Madrid, 1817 - 1870). "Scène Goyaesque". Gouache sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 47 x 72 cm ; 63 x 88 cm (cadre). Eugenio Lucas Velázquez nous offre une œuvre à l'héritage clairement Goyaesque, mettant en scène un groupe de personnages d'une grande profusion. L'œuvre s'inscrit pleinement dans le courant régionaliste espagnol, encore fermement ancré dans le romantisme, où la revendication de l'espagnol ne se limite pas à la thématique, mais touche également l'aspect technique : nous voyons une facture empâtée et défaite, riche en matière mais aussi en détails, qui reflète la luminosité des toiles comme le faisait Diego Velázquez, grande référence avec Francisco de Goya d'une école espagnole du XIXe siècle qui redécouvre la modernité de ses anciens maîtres. Mentionné dès le XIXe siècle sous le nom d'Eugenio Lucas Padilla, ou Eugenio Lucas l'Ancien, il est l'artiste romantique espagnol qui a le mieux compris l'art de Goya. Formé au néoclassicisme de l'Académie de San Fernando, il changea rapidement de formation et se consacra à l'étude de Vélasquez et surtout de Goya, dont il admirait et copiait les œuvres au musée du Prado. Lucas Velázquez trouve dans la peinture de Goya le point de départ pour développer une peinture personnelle imaginative, faite de visions fantastiques et de passions déchaînées, dans le plus pur style romantique. Il s'inspire également de Goya pour peindre des scènes de l'Inquisition, des couvents, des pèlerinages et des corridas. Il peint également, en 1850, le plafond aujourd'hui disparu du théâtre royal de Madrid, puis est nommé peintre de chambre honoraire et chevalier de l'ordre de Carlos III par la reine Isabelle II. En bon romantique, il effectue plusieurs voyages, parmi lesquels se distinguent ses séjours en Italie, au Maroc et à Paris. Ses œuvres se caractérisent par l'utilisation d'un coup de pinceau vif et d'un style décontracté, sans souci de dessin, avec une matière dense et empâtée d'une grande richesse chromatique et avec la présence d'un fort clair-obscur. Il a connu un grand succès en tant que peintre de mœurs et de scènes à caractère fantastique et sinistre, même s'il est vrai qu'il était également un excellent paysagiste et portraitiste. Son œuvre est bien représentée au musée du Prado, ainsi que dans d'autres centres tels que le musée des beaux-arts de Bilbao, le musée national d'art de Catalogne, le musée Lázaro Galdiano, le British Museum, le Metropolitan Museum de New York et le musée Goya de Castres (France).

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

EMIL NOLDE, eigentl. EMIL HANSEN_x001D_ Nolde/Schlesw. 1867 - 1959 Seebüll - EMIL NOLDE, de son vrai nom EMIL HANSEN_x001D_ Nolde/Schlesw. 1867 - 1959 Seebüll Coquelicot rouge et bleuet. Aquarelle vers 1930/35. Signé en haut à droite. Sur Japon léger. 17,8 x 13,9 cm. Minimement bruni (seulement légèrement visible au verso dans la marge inférieure) et avec un faible pli de papier. Lorsqu'Emil Nolde s'installa en 1916 dans la ferme d'Utenwarf qu'il venait d'acquérir, cela lui inspira un grand nombre de paysages. Mais depuis cette époque, il a également réalisé de nombreuses aquarelles de fleurs qui trouvaient leur origine dans le jardin qu'il avait lui-même aménagé. Avec un grand souci du détail, Emil et Ada Nolde avaient planté des coquelicots, des tournesols, des dahlias, des iris, des calla et des lys dans le jardin. Au cours d'une année, il y avait toujours des fleurs en pleine floraison qui trouvaient leur place dans ses aquarelles. Contrairement à Karl Schmidt-Rottluff ou Gabriele Münter, qui peignaient généralement leurs fleurs dans un vase, Nolde semble les avoir capturées directement dans son jardin. Il les a peintes en gros plan et telles qu'il les a trouvées dans le parterre de fleurs. Ce faisant, Nolde ne s'intéressait pas à la disparition d'une fleur et au thème de l'éphémère qui y est lié, mais choisissait en principe des fleurs en pleine floraison. Avec son pinceau à aquarelle imprégné de couleur, il dessine les différents pétales lumineux, suggère la profondeur sombre des calices et s'accommode consciemment de l'apparition de flous. Provenance : Eugen Rhein (Otterberg 1884 - 1962 Kaiserslautern ; fondateur de la collection Eugen Rhein avec son épouse Helene). Collection privée de Wiesbaden. Pièces jointes : Expertise photographique du Dr Manfred Reuther, directeur de la Fondation Seebüll Ida et Emil Nolde du 18 juin 2008 : "...Je confirme qu'il s'agit d'une œuvre autographe du peintre Emil Nolde (1867-1956) ; elle est enregistrée comme telle à la Fondation Nolde de Sebüll..." - Copie de la lettre du 19 juin 2008 du Dr Manfred Reuther au sujet de l'expertise photographique susmentionnée, adressée au propriétaire précédent : "...Comme premier propriétaire de l'aquarelle, vous nommez Eugen Rhein de Kaiserlautern. Nos archives contiennent quarante lettres, ainsi qu'une photo de son appartement avec le tableau d'Emil Nolde 'Lis de feu et delphiniums sombres' de 1925, qu'il a acquis en 1927. Dans une lettre du 28 juillet 1947, Eugen Rhein mentionne, parmi d'autres tableaux, 'la petite aquarelle de coquelicots'. Avec cette référence, il s'agit probablement de votre feuille". [bg]

Estim. 42 000 - 42 000 EUR

RICARDO OPISSO I SALA (Tarragone, 1880 - Barcelone, 1966). "Jeune homme assis à Sitges". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 30 x 22 cm ; 43 x 35,5 cm (cadre). Un jeune homme aux yeux intenses de couleur marine se repose dans un fauteuil en osier. À côté de lui, un chien regarde impatiemment devant lui. La plage ou les terrasses des cafés étaient les ateliers en plein air d'Opisso, où il réalisait des croquis sur le vif, comme dans cette scène dominicale de détente. Opisso était peintre, dessinateur et caricaturiste. Dans sa jeunesse, il a participé au milieu moderniste de Barcelone et, en 1894, il a commencé à travailler comme apprenti avec Antoni Gaudí sur la Sagrada Família. Deux ans plus tard, soutenu par l'architecte, il devient membre du Círculo Artístico de Sant Lluc, avec lequel il exposera plus tard à la Sala Parés. Il est lié au groupe Els Quatre Gats, avec Ramon Casas, Manuel Hugué, Isidre Nonell et Pablo Picasso, entre autres. En 1901, il se rend à Paris, où se trouvent déjà Picasso et Hugué. Il travaille comme illustrateur dans des publications telles que "Cu-cut !" et "L'Esquella de la Torratxa", signant des dessins visant à la satire politique, dans un style proche de l'art nouveau. En 1907, il participe à l'exposition des beaux-arts de Barcelone et reçoit une médaille de troisième classe. En raison de la dictature de Miguel Primo de Rivera, Opisso abandonne la satire politique et ses dessins s'orientent vers des thèmes de genre, en se spécialisant dans les scènes populaires. Ses œuvres de cette période se caractérisent par la présentation de foules hétéroclites dans des décors populaires de Barcelone. Après avoir exposé plusieurs fois de suite à la Sala Parés, il réalise sa première exposition personnelle en 1935 aux galeries Syra de Barcelone. Pendant la période d'après-guerre, il continue d'exposer dans diverses galeries de Barcelone et remporte un succès considérable auprès de la critique et du public. En 1953, il reçoit la reconnaissance de sa ville natale à l'occasion de la quatrième foire d'art de Tarragone. À ses débuts, Opisso signait ses œuvres, en plus de son nom de famille, d'un "O" pour Opisso, qui contient le "R" de son nom. La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Opisso de Barcelone, mais elles sont également présentes au musée national d'art de Catalogne et au musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg. En ce qui concerne les expositions, il convient de souligner celle qui s'est tenue au musée Thyssen-Bornemisza en 2004 sous le titre "La peinture catalane, du naturalisme au noucentisme", dans laquelle son œuvre "Carnaval" a été exposée. Il a également réalisé des expositions anthologiques au Saló del Tinell (1979), au Palau de la Virreina (1980), au Salon nautique international de Barcelone (1973), à la Fundació La Caixa (1988, 2004, 2008) et à la Caixa Tarragona (2003).

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Feuillet enluminé, avec texte et illustration de la Jérusalem délivrée du Tasse. France, XVIIIe-XIXe s. Scène de combat de chevaliers sous les murs d'une ville. Gouache sur traits d'encre brune, rehauts d'or ; bordure fleurie. Au dos, chapitres LXXXV à XC de la Jérusalem délivrée du Tasse (encre noire sur deux colonnes, six lettrines à l'or sur fond bleu, trente-six lettrines rouges, bout de ligne ). Feuillet de parchemin (25 x 18 cm) ; sous un passe-partout à listel doré (fin du XIXe s.) Ce feuillet illustre un passage de la Jérusalem délivrée, célèbre chef d'œuvre de Torquato Tasso (1544-1595) publié pour la première fois à Gênes en 1580-1581. L'artiste, certainement français, a commencé son travail en traçant à l'encre le coutour des principaux chevaux, cavaliers et fortifications de la scène ; la mise à la couleur s'est faite sur une gamme restreinte : bleu (pour les cieux), vert (pour les paysages), rose-orangé et jaune (pour les caparaçons), brun (pour les bâtiments) et enfin gris (pour les armures) ; le tout fut rehaussé délicatement à l'or. La bordure fleurie s'inspire des enluminures du XVe siècle. La scène, violente au premier plan (choc de cavalerie, chevalier tombant de cheval, combat au sol), s'apaise peu à peu : au second plan, des rangs de fantassins conduits par leurs chefs à cheval, entrent dans la ville ; au troisième plan, la ville s'enfonce dans les lointains ; paysages verdoyants et arborés, dominés par des cieux sereins où flottent des nuages. Cette scène se rattache aux groupes d'illustrations historicistes qui eurent une très grande vogue dès le XVIIIe siècle et jusqu'à la fin du XIXe siècle. On repère deux feuillets, issus du même atelier, dans une ancienne collection suisse. Quelques soulèvements de peinture et écaillures, avec légers manques. Restaurations à envisager : fixation de la couche picturale ; comblement des manques. En cas de mise sous cadre : nouveau passepartout (PH neutre), vitre anti-UV. (Expert : Roch de Coligny)

Estim. 1 000 - 2 000 EUR

RICARDO OPISSO I SALA (Tarragone, 1880 - Barcelone, 1966). "Personnages de cirque". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 36 x 26 cm ; 64 x 54 cm (cadre). Opisso était peintre, dessinateur et caricaturiste. Dans sa jeunesse, il a participé au milieu moderniste de Barcelone et, en 1894, il a commencé à travailler en tant qu'apprenti avec Antoni Gaudí dans les travaux de la Sagrada Familia. Deux ans plus tard, soutenu par l'architecte, il devient membre du Círculo Artístico de Sant Lluc, avec lequel il exposera plus tard à la Sala Parés. Il est lié au groupe Els Quatre Gats, avec Ramon Casas, Manuel Hugué, Isidre Nonell et Pablo Picasso, entre autres. À la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, il se rend à Paris, où se trouvent déjà Picasso et Hugué. Tout au long de sa carrière, Opisso a travaillé comme illustrateur dans des publications telles que "Cu-cut !" et "L'Esquella de la Torratxa", signant des dessins visant à la satire politique, dans un style proche de l'Art nouveau. En 1907, il participe à l'exposition des beaux-arts de Barcelone et reçoit une médaille de troisième classe. En raison de la dictature de Miguel Primo de Rivera, Opisso abandonne la satire politique et ses dessins s'orientent vers des thèmes de genre, en se spécialisant dans les scènes populaires. Ses œuvres de cette période se caractérisent par la présentation de foules hétéroclites dans des décors populaires de Barcelone. Après avoir exposé plusieurs fois de suite à la Sala Parés, il réalise sa première exposition personnelle en 1935 aux galeries Syra de Barcelone. Pendant la période d'après-guerre, il continue d'exposer dans diverses galeries de Barcelone et remporte un succès considérable auprès de la critique et du public. En 1953, il reçoit la reconnaissance de sa ville natale lors de la quatrième foire d'art de Tarragone. La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Opisso de Barcelone, mais elles sont également présentes au musée national d'art de Catalogne et au musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg. En ce qui concerne les expositions, il convient de souligner celle qui s'est tenue au musée Thyssen-Bornemisza en 2004 sous le titre "Peinture catalane, du naturalisme au noucentisme", dans laquelle son œuvre "Carnaval" a été exposée.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR