Tableaux

Le temps, vite ! Dans les ventes live et ventes online de Tableaux, les tableaux anciens règnent sur un vaste domaine couvrant sept siècles, des icônes gréco-byzantines aux paysages romantiques.
Après 1870, les tableaux impressionnistes et modernes leurs emboîtent le pas jusqu’à la Seconde Guerre mondiale avec les écoles impressionniste et néo-impressionniste suivis des fauves, des cubistes, des surréalistes…
A partir de 1945, les tableaux d’après-guerre et contemporains recouvrent les productions artistiques de l’expressionnisme abstrait à l’Arte Povera, en passant par le Spatialisme et le Pop art.
Les peintures proposées dans les ventes online de Tableaux font défiler de façon étourdissante toute l’histoire de l’art : tableaux religieux, natures mortes, vanités, tableaux de fleurs et tableaux de genre des écoles hollandaises et flamandes, sujets historiques et scènes mythologiques, tableaux d’histoire, paysages de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècles…Les révolutions picturales de la fin du XIXe et l’aventure des avant-gardes du XXe siècle se rejouent aussi sous nos yeux aux enchères, jusqu’aux subversions de l’art le plus actuel de Soulages, Combas, Vasarely, Arman,Capron, Mitoraj, Sonia Delaunay, Garouste, Hartung, Tal coat , etc.
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Lots recommandés

* École FRANCAISE vers 1640 L'enfant aux écrevisses avec une jeune fille et un chat Toile Hauteur : 92 cm Largeur : 114,5 cm Restaurations anciennes Porte une inscription à droite "163..." Un original du "Jeune garçon pincé par l'écrevisse" de Caravage est signalé à la villa Borghèse en 1650, mais il est aujourd'hui disparu. Plusieurs copies en sont conservées aux musées des Beaux-Arts de Strasbourg, de Lyon ainsi qu'en collection privée. Une version attribuée à "Pensionante del Saraceni" a été sur le marché de l'art dans les années 2010 (collection Giancarlo Baroni). Cette composition est à rapprocher du "Garçon mordu par un lézard" du maître lombard, daté du début des années 1590, dont deux répliques sont connues (à la Fondazione Longhi de Florence et à la National Gallery de Londres). L'image novatrice pour son époque est marquée par son naturalisme et la façon dont l'action est saisie dans sa spontanéité. On l'interprète soit comme une allégorie du toucher, soit comme un proverbe (Qui s'y frotte s'y pique ) ou une représentation allégorique de la douleur liée à l'amour. Notre tableau reprend ce motif populaire du garçon criant. Il est ici observé par une fillette blonde à l'expression moqueuse. Son style est proche des peintres nordiques, en particulier des caravesques hollandais de l'école d'Utrecht. Le peintre a ensuite ajouté un chat en bas à droite qui apporte lui aussi un certain dynamisme à l'oeuvre. Son caractère vivant ancre un peu plus le tableau dans la réalité quotidienne. !!! A lire attentivement : Ce lot sera à récupérer à l’étude.

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

DAVID HAMILTON (Londres, 1933-Paris, 2016). "Jeune femme endormie", 1974. Photographie sur gélatine argentique. Signée et datée. Dimensions : 17 x 23,5 cm : 17 x 23,5 cm. Dans cette photographie, l'auteur se concentre sur le modèle dans une perspective élevée. Il évite de représenter le visage, non seulement parce que la jeune femme est allongée, mais aussi parce qu'il laisse la tête du modèle hors du cadre. Par la position et l'érotisme explicite, l'auteur nous offre une révision de "L'origine du monde" de Coulbert. David Hamilton était un photographe et réalisateur britannique connu pour ses photographies de jeunes femmes et de jeunes filles, principalement nues. Son style d'approche était appelé "Hamilton Blur", les images d'Hamilton ont fait partie d'un débat sur "l'art ou la pornographie". Ses compétences artistiques ont commencé à se manifester lors d'un emploi dans un bureau d'architecte. À l'âge de 20 ans, il se rend à Paris, où il travaille comme graphiste pour Peter Knapp du magazine Elle. Après avoir été reconnu, il est engagé par le magazine Queen à Londres en tant que directeur artistique. Mais Hamilton se rend vite compte qu'il aime Paris et, à son retour, il devient directeur artistique du Printemps, le plus grand magasin de la ville. Alors qu'il travaillait encore au Printemps, Hamilton a commencé à faire de la photographie commerciale, et le style onirique et granuleux de ses images a été salué par la critique. Ses photographies sont recherchées par d'autres magazines tels que Réalités, Twen et Photo. Parmi ses autres succès, on compte des dizaines de livres de photographies, cinq longs métrages, d'innombrables expositions dans des magazines, ainsi que dans des musées et des galeries d'art. En décembre 1977, Images Gallery, un studio appartenant à Bob Persky situé au 11 East 57th Street à Manhattan, a exposé ses photographies en même temps que le lancement de Bilitis. À l'époque, le critique d'art Gene Thornton écrit dans le New York Times qu'elles révèlent "le genre d'idéal qui était régulièrement exprimé dans les grandes peintures du passé". Dans son livre, Photographes contemporains, le conservateur Christian Caujolle a écrit qu'Hamilton travaillait avec seulement deux dispositifs fixes : "une intention picturale claire et un érotisme latent, apparemment romantique, mais qui ne manque pas d'attirer les ennuis". Outre les jeunes femmes, Hamilton a composé des photographies de fleurs, d'hommes, de paysages, d'animaux de ferme, de pigeons et de natures mortes de fruits. Plusieurs de ses photographies ressemblent à des peintures à l'huile. La plupart de ses œuvres donnent une impression d'intemporalité en raison de l'absence d'automobiles, de bâtiments modernes et de publicités. En 1976, Denise Couttès a expliqué le succès de Hamilton en disant : "(ses photographies) expriment l'évasion. Les gens ne peuvent échapper à la violence et à la cruauté du monde moderne que par le rêve et la nostalgie". À partir de 2003, son style "soft-focus" est revenu à la mode dans Vogue, Elle et d'autres magazines de mode. Les livres de photos qu'elle a réalisés ont été portés à l'écran dans Bilitis. Plus tard, il a épousé Gertrude, qui a co-dessiné L'âge de l'innocence, mais ils ont divorcé à l'amiable.Hamilton partageait son temps entre Saint-Tropez et Paris. Depuis 2005, il connaît un regain de popularité. En 2006, David Hamilton, une collection de photographies légendées, et Erotic Tales, contenant les nouvelles fictives de Hamilton, ont été publiés. Au moment de sa mort, Hamilton travaillait sur un autre livre, Monograph of Montenegro.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Un portrait de l'empereur Charles V de l'atelier de Lucas Cranach, vers 1532. Huile sur bois. Le portrait à mi-corps de l'Empereur, de profil, vêtu d'une toge et d'un manteau noirs. L'Empereur, à l'expression tranquille et à la barbe légère, est représenté avec beaucoup de détails. La chemise blanche finement plissée avec une délicate bordure ornementale, le col de la Toison d'or autour de son cou. Le doublet rouge est orné d'une magnifique broderie dorée. Le dos est recouvert d'un tissu. Dans un cadre mouluré ébonisé dans le style du 16e siècle (marginalement craquelé). Taille de la peinture 55 x 45.5 cm, y compris le cadre 75 x 66 cm. Comprend également une image x-ray moderne de la peinture, signée visuellement par le laboratoire des collections de peinture de l'État de Bavière à Munich. Cette peinture a été proposée à la vente chez Christie's en 2014 avec un prix catalogue de 35 000 euros, pour n'être saisie avant la vente que sous la suspicion d'un trucage. Dans le cadre de l'enquête sur le célèbre copiste de Cranach Christian Goller, le portrait de Charles V a d'abord été considéré comme un faux suspect par Goller. Cependant, des examens ultérieurs n'ont pas permis de confirmer cette suspicion et d'écarter la possibilité que ce tableau ait été effectivement peint par lui. La confiscation de la peinture a été annulée au printemps 2015 et le tableau a ensuite été restitué à son propriétaire par le Senior Public Prosecutor's Office de Passau chargé de l'enquête. Provenance : Collection privée sud-allemande, acquise à la maison de vente de Munich dans les années 1960 comme œuvre de l'atelier Cranach. Une copie d'une évaluation manuscrite de A. Stanger( ?), Tutzing, datée du 20 septembre 1966, est incluse. Condition : II

Aucune estimation

Pieter Paul Rubens (Siegen 1577 - Anversa 1640) bottega di - Pieter Paul Rubens (Siegen 1577 - Anvers 1640) atelier de Silène, Flore et Zéphyr Huile sur toile 135 x 115 cm Études, expertises, attestations écrites : 07 avril 1975 David Rosand (en tant que P.P. Rubens) 14 juillet 1991 Michael Jaffé (en tant que P.P. Rubens) 28 juillet 2010 Maurizio Marini (en tant que P.P. Rubens) uniquement disponible en photocopie 10 août 2010 Didier Bodart (en tant que P.P. Rubens) 20 août 2010 Didier Bodart (en tant que P.P. Rubens) Provenance : Angleterre, comte de Bute, 18e siècle Angleterre, Luton park, 1799 Angleterre, London Bute Sale, 1883 Suisse, collection privée jusqu'en 2005 Italie, Collection privée Bibliographie : G.F. Waagen, Treasures of Art in Great Britain, Londres 1854, III, p. 475. J. Richter, Catalogue of the Collection of Earl of Bute, Londres 1883, n° 208. Études scientifiques sur les matériaux : Chemical Tests, Samples and Laboratory Analyses, édité par Diagnostica per l'Arte Fabbri, par Davide Bussolari. Pieter Paul Rubens (Siegen 1577 - Anvers 1640) atelier de Silène, Flore et Zéphyr Huile sur toile 135 x 115 cm Études, expertises et certifications écrites : 07 avril 1975 David Rosand (en tant que P.P. Rubens) 14 juillet 1991 Michael Jaffé (en tant que P.P. Rubens) 28 juillet 2010 Maurizio Marini (en tant que P.P. Rubens) disponible uniquement en photocopie 10 août 2010 Didier Bodart (en tant que P.P. Rubens) 20 août 2010 Didier Bodart (en tant que P.P. Rubens) Provenance : Angleterre, Comte de Bute, 18e siècle Angleterre, Luton Park, 1799 Angleterre, London Bute Sale, 1883 Suisse, collection privée jusqu'en 2005 Italie, collection privée Bibliographie : G.F. Waagen, Treasures of Art in Great Britain, Londres 1854, III, page 475. J. Richter, catalogue de la collection du comte de Bute, Londres 1883, n° 208. Études scientifiques sur les matériaux : Tests chimiques, échantillons et analyses de laboratoire, par Diagnostica per l'Arte Fabbri, par Davide Bussolari.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Flämischer Meister 17. Jahrhundert - Maître flamand 17e siècle Portrait d'une famille anversoise Huile sur toile (doublée). 134,5 x 159 cm. Provenance Collection privée belge. Une famille bourgeoise flamande aisée se présente devant un somptueux rideau qui laisse entrevoir un paysage. L'homme serre le poing en signe de puissance. De l'autre main, il touche délicatement l'épaule de sa femme, qu'il regarde avec amour. Elle regarde devant elle, tandis que sa fille saisit son poignet et accepte une pomme de son petit frère. Celui-ci semble se fondre dans les riches vêtements noirs de son père. L'attachement est un thème central dans cette œuvre, qui s'exprime à travers les multiples interactions entre les personnages. Tout dans ce portrait représente la richesse et la prospérité ou le désir de les atteindre : les riches vêtements ornés de brocart, les bijoux, le rideau rouge, la pomme. La remarquable fontaine sur la droite est ornée d'une figure de Diane d'Éphèse tenant deux dauphins qui projettent de l'eau. La déesse mère Diane est synonyme de fertilité. Mais ce monumental portrait de famille est bien plus qu'un simple portrait statique destiné à illustrer la richesse et la soif de reconnaissance des personnes représentées. C'est le portrait d'une famille où règnent la solidarité et l'humanité. Les bases iconographiques et de composition du présent portrait de famille sont des tableaux comparables de Cornelis de Vos (1584-1651), actif à Anvers. Celui-ci a travaillé dans la première moitié du 17e siècle, en même temps que Rubens et Van Dyck, comme troisième portraitiste important à Anvers. De Vos a été le premier à représenter les affects dans un portrait de famille. Les liens émotionnels sont thématisés par des gestes et des symboles sublimes. Même si la parenté de style entre notre tableau et les œuvres de Cornelis de Vos et de son cercle est évidente, aucune attribution à un artiste n'a pu être faite jusqu'à présent. Un agrandissement intéressant du tableau dans le bas de la toile témoigne de son originalité : une bande de 11 centimètres de haut a été appliquée sur la toile dans l'atelier de l'artiste. Cette technique était tout à fait courante dans les Pays-Bas méridionaux au 17e siècle pour les grands tableaux monumentaux.

Estim. 70 000 - 90 000 EUR

Francis PICABIA (1879-1953). Portrait de femme - vers 1942-1943. Huile sur carton, signée en bas à droite. H_43,8 cm L_35,3 cm Provenance : collection privée française - offert par l'artiste à une amie, à Cannes, et transmis par descendance. Un certificat d'authenticité du Comité Picabia (Madame Beverley Calté), confirmant l'inclusion de notre tableau au Catalogue raisonné des œuvres de l'artiste, en date du 10 avril 2024, sera remis à l'acquéreur. Notre tableau, conservé dans la même famille depuis sa réalisation au début des années 1940, est une découverte pour le marché de l'art. Impressionniste, cubiste, dadaïste, surréaliste, Francis Picabia est une image de l'avant-garde parisienne du début du XXème siècle. Surtout connu pour son cynisme provocateur et son langage pictural excentrique, Picabia s'essaie dès les années 1930 et la période post-dada aux portraits figuratifs féminins, longtemps décriés pour leur aspect kitsch et académique. Pourtant, l'historien de l'art Arnauld Pierre explique dans le catalogue de la rétrospective consacrée à l'artiste en 2002 au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris le second degré que ce dernier insuffle à ces portraits, réalisant un « simulacre de peinture (..) par laquelle ne passe aucune expérience authentique et directe du réel - une peinture sans aura ». Notre œuvre s'inscrit parfaitement dans cette dynamique. Le sourire figé, presque faux, le regard lointain et fuyant du sujet, les couleurs accentuées du visage imprègnent le spectateur d'un certain malaise. Picabia sème le doute : portrait ou caricature, témoignage de l'esprit provocateur de son auteur.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR