Stylos, presse-papiers et encriers

Rosa Bonheur (1822-899), attribué à Etude de bovidé Graphite sur papier Monogrammé en bas à droite R. B Dim. : 8,5 x 15 cm (à vue)

JOSÉ ARRÚE VALLE (Bilbao, 1885 - Llodio, Álava, 1977). "Paisanos". Gouache et encre sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 22 x 44 cm ; 41 x 64 cm (cadre). Gouache sur papier dont le format indique qu'elle a été conçue pour faire partie du pays d'un admirateur. José Arrué fut un remarquable peintre de type basque, caractérisé par une grande intuition, comme en témoigne cette scène fraîche à l'aquarelle. Arrrué a été formé à Bilbao, puis a poursuivi ses études à Barcelone, Paris et Milan. En 1908, il retourne dans sa patrie et commence à combiner sa pratique artistique avec l'enseignement, en tant que professeur de dessin de figures à l'École des arts et métiers de Bilbao. La même année, il collabore à la création de la revue "El Coiteao". Un an plus tard, son amour pour le monde de la tauromachie l'amène à porter le costume de torero et à participer à huit corridas. Sa présentation en tant que torero a lieu à Bilbao le 17 octobre et, selon les critiques de l'époque, il s'est bien défendu. C'est à cette époque qu'il commence à se faire connaître et qu'il organise des expositions de ses œuvres à Bilbao en 1911, 1915, 1920 et 1925. L'année suivante, en 1926, Arrúe s'installe à Paris, où il continuera à peindre jusqu'à ce qu'il expose enfin à Buenos Aires en compagnie de son frère Ramiro, également peintre. Cette exposition, inaugurée le 10 juillet 1928, se tient à la Société des amis de l'art de la capitale argentine, et son succès est tel qu'elle devient itinérante, se poursuivant à Cordoba, dans le hall du journal "La Razon", avec lequel Arrúe collaborera artistiquement pendant plusieurs années. Par la suite, l'exposition a également été présentée à la galerie Moretti, Catelli et Mazzuchelli à Montevideo, pour terminer son parcours au salon Wicomb de Rosario, toujours en Argentine. Au cours de ce voyage, Arrúe a participé à l'exposition d'artistes basques organisée au Gran Casino de San Sebastian à l'occasion de la Grande semaine basque, et a également été récompensé pour son affiche lors du IIe concours international d'œuvres. T

Hugo Pratt - Corto Maltese - Rêve d'un matin d'hiver, 1979 stylo à bille sur papier 18,5 x 26 cm Dédicace originale créée par Pratt en 1979 sur la première page du volume "Rêve d'un matin d'hiver" publié par Mondadori en 1975. En quelques coups de crayon, le maestro de Malamocco nous offre un portrait fascinant et intemporel de son Corto Maltese. Signé et dédicacé.

VICTOR VASARELY (Pécs, Hongrie, 1908 - Paris, 1997). Sans titre, 1981. Collage de papier sur carton. La paternité de cette œuvre a été confirmée par Pierre Vasarely. Signé deux fois dans le coin inférieur droit, daté et dédicacé. Dimensions : 40 x 27 cm ; 60 x 47 cm (cadre). L'œuvre de Vasarely repose sur la découverte que la déformation d'une grille bidimensionnelle peut générer un paysage tridimensionnel abstrait, avec des élévations et des dépressions, où les carrés se transforment en losanges et les cercles en ellipses. Ainsi, l'effet illusionniste qui combine la convexité et la concavité avec la dilatation et la contraction, contient un symbolisme cosmique réfléchi, évoquant le rythme qui naît des étoiles, ainsi que la formation des galaxies par l'expansion de l'univers dans son ensemble. Considéré comme le père de l'Op Art, Victor Vasarely a commencé sa formation artistique à l'école Muheely, fondée à Budapest par un élève du Bauhaus. Il s'installe à Paris en 1930, où il crée ce qui est considéré aujourd'hui comme la première œuvre de l'Op Art, "Zebra" (1937). À Paris, il travaille comme graphiste pour des agences de publicité. Pendant cette période, son style artistique varie de l'expression figurative vers un type d'art abstrait constructif et géométrique, intéressé par la représentation de la perspective sans point de fuite.Entre 1936 et 1948, il participe régulièrement au Salon des Surindépendants et au Salon des Nouvelles Réalités. À partir de 1948, il expose régulièrement à la galerie Denise René. Dans les années cinquante, son travail aborde l'utilisation de nouveaux matériaux et supports tels que l'aluminium ou le verre. De même, il commence à réaliser des œuvres d'intégration à l'espace, comme Hommage à Malevitch. Dans les années soixante, il participe à de nombreuses expositions collectives, comme The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York, ainsi qu'à des expositions personnelles en Europe et en Amérique. Parmi les nombreuses récompenses qu'il a reçues tout au long de sa vie, on peut citer le prix Guggenheim (1964), les critiques d'art de Bruxelles et la médaille d'or de la Triennale de Milan. En 1970, il a également été nommé chevalier de l'ordre de la Légion d'honneur. Il est représenté dans les musées qui lui sont consacrés à Aix-en-Provence, Pécs et Budapest, mais aussi dans les plus importants centres d'art contemporain du monde, comme la Tate Gallery de Londres, le MoMA de New York, le Guggenheim de Venise ou le Reina Sofia de Madrid. La paternité de cette œuvre a été confirmée par Pierre Vasarely.

INGO MAURER & DAGMAR MOMBACH Lampe de table 'Samurai' pour Ingo Maurer 1998 - Métal, plastique, papier. Signes du temps. 74,00 x 78,00 x 15,00 cm

Zao Wou-Ki (1920-2013) - Lithographie 353 1991 Lithographie sur papier signé et daté en bas à droite, numéroté 29/99 en bas à gauche 54,5 x 74,5 cm Rapport de condition : Encadré sous verre

PIERRE-OLIVIER DESCHAMPS FERRARI DINO 206 S, NEW YORK, COLLECTION RALPH LAUREN 18/02/2011 Signé, numéroté 1/5 Tirage Fine Art sur papier Canson Infinity Baryta Prestige II Encadrement caisse américaine Atelier Fotodart 80 X120 cm Don de l'artiste Photographe français, membre de l'agence VU' depuis 1986, Pierre-Olivier-Deschamps vit et travaille principalement à Paris. D'abord photographe de théâtre, il est très rapidement diffusé par le quotidien Libération. Il rejoint l'agence VU' à sa création et comptant parmi les tout premiers membres, il participe au développement d'un nouveau type de reportage qui définit le photographe avant tout comme auteur. Depuis une quinzaine d'années, Pierre-Olivier Deschamps se consacre plus particulièrement à l'architecture, au paysage urbain, au design et à l'artisanat d'art, sous toutes leurs formes, quels qu'en soient le style, l'usage ou l'état. Son regard et sa maîtrise des techniques lui permettent de dépasser les contraintes de la représentation et d'en souligner les enjeux, au-delà de la simple captation photographique.

Jean-Michel ATLAN (1913-1960) - Composition pour "Les miroirs du Roi Salomon", 1962. Lithographie en couleurs sur papier. Signée en bas à droite et dédicacée "à Jean Pons..." en bas. 33 x 40 cm (à vue). Rousseurs.

CARTIER - PLUME de la collection "Diabolo" en laque noire et métal plaqué or, plume en or 18K (boîte, surboîte et cartouche d'encre) (très légères micro rayures)

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Sans titre, 1977. Encre sur papier. Signé, daté et dédié "à mon ami Martí". Dimensions : 29,5 x 19 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Dans ce dessin original de Dalí, daté de 1977, on reconnaît saint Georges à cheval armé, car Dalí a réinventé l'iconographie de ce saint en le plaçant dans des paysages de l'Empordà ou dans des décors qui renvoient à des déserts mystiques comme celui qui inspire cette composition. En d'autres occasions, il a réinterprété le thème de Saint-Georges et du dragon en langage sculptural. Dalí souhaitait représenter la dualité entre la vie et la mort, entre l'éphémère et l'éternel, les forces obscures de la nuit et celles du jour, le sommeil et la raison. C'est pourquoi il choisit des figures emblématiques comme Saint-Georges ou Don Quichotte, auquel il consacre d'ailleurs d'innombrables dessins. Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30, étant reconnue comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Sam SZAFRAN (1934-2019) - Autoportrait, 1962. Eau-forte sur papier. Signé, daté, dédicacé "Pour Laurent Sam" et numéroté 5/10 en bas. 61 x 47 cm. Rousseurs, taches et pliures.

Peut-être JULIO FERRER SAMA (1901- 1984). "La danse orientale". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 29 x 45 cm ; 43 x 59 cm (cadre). L'orientalisme est né au XIXe siècle, conséquence de l'esprit romantique d'évasion dans le temps et l'espace. Les premiers orientalistes ont cherché à refléter la perte, l'inaccessible, dans un voyage dramatique voué dès le départ à l'échec. Comme Flaubert dans "Salambo", les peintres brossent des portraits détaillés de l'Orient et des passés imaginés, recréés au millimètre près, mais finalement inconnus et idéalisés. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, de nombreux peintres qui se sont rendus au Moyen-Orient à la recherche de cette réalité inventée ont cependant découvert un pays différent et nouveau, qui se démarquait par ses particularités des clichés et des préjugés des Européens. Ainsi, cette nouvelle école orientaliste laisse derrière elle les belles odalisques, les harems et les marchés d'esclaves pour ne peindre que ce qu'elle voit, l'Orient réel dans toute sa dimension quotidienne. Le changement de vision s'accompagne d'un changement technique et formel ; puisqu'il ne s'agit plus de recréer un monde imaginé dans ses moindres détails, le coup de pinceau acquiert une fluidité impressionniste, et les artistes s'attachent moins à la représentation des types et des coutumes qu'au reflet fidèle de l'atmosphère du lieu, de l'identité même des populations nord-africaines.

JOSÉ ZAMORA (Madrid, 1892 - Sitges, 1971). "Léda et le cygne", 1926. Aquarelle et cire sur papier. Signée et datée en bas à gauche. Dimensions : 32 x 24 cm ; 43 x 36 cm (cadre). José de Zamora, plus connu sous le nom de Pepe ou Pepito Zamora, a participé pleinement au courant artistique connu sous le nom d'art déco, un mouvement qui a produit un art élégant, décoratif et, en grande partie, éphémère. Dans cette mouvance, Zamora a créé un style de dessin raffiné et original, très imité de son vivant et pourtant presque oublié aujourd'hui. À l'occasion du cinquantième anniversaire de sa mort, la Bibliothèque régionale de Madrid souhaite contribuer à la récupération de sa mémoire en faisant connaître les œuvres de l'artiste conservées dans sa collection. En raison de sa beauté et de son importance historique, il convient de souligner l'ensemble de costumes conçu pour la représentation de la pièce Farsa y licencia de la reina castiza, écrite par Ramón del Valle-Inclán (1866-1936).

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA - 1908-1992 - MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA - 1908-1992, Sans titre (v. 1953), encre de Chine sur papier, petits défauts sur le papier, signé. Notes : inclus dans WEELEN, Guy ; JAEGER, Jean-François - "Vieira da Silva - Catalogue Raisonné". Genève : Editions Skira, 1994, p.208, nº 1061, Dim. - 12 x 10,5 cm

Caballero, Luis. Sans titre. (Nu masculin debout). Dessin au fusain sur papier brun. Signé en bas à gauche au crayon, au dos avec le cachet de la galerie "Gallerie Arts Louise Leiris", Paris. Dimensions de la feuille : 105 x 68 cm. Feuille un peu frottée, avec des traces d'atelier et quelques traces de pliures.

Guy de Rougemont (1935-2021) - Composition géométrique 1988 Aquarelle sur papier signé et daté en bas à droite 36 x 26 cm Rapport de condition : Encadré

Trésor, Otto Rudolf. Sans titre. Deux aquarelles originales. Aquarelle sur crayon sur vélin rigide. Une feuille est estampillée au verso "Nachlass O. R. Schatz", l'autre avec le cachet de l'atelier viennois du "Prof. R. Schatz". Vers 1930/1950. dimensions des feuilles : env. 22 x 28 cm chacune. L'artiste autrichien Otto Rudolf Schatz (1900-1961) appartenait "à cette génération de peintres qui a grandi avec le style de la Sécession, a commencé sa carrière avec l'expressionnisme et a finalement fondé la Nouvelle Objectivité ... ses aquarelles érotiques comptent parmi les meilleures créées dans ce domaine dans l'espace germanophone". (Klinger 11, p. 54.) - Minimes brunissures, traces d'un montage antérieur au verso, bande de papier le long du bord droit d'une feuille, petit cachet rouge de collectionneur sur une feuille au verso. - Provenance : de la collection de Hans-Jürgen Döpp, Francfort.

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarelle sur papier. Signée et datée dans la partie inférieure. Dimensions : 56 x 76 cm ; 76 x 96 cm (cadre). Cette œuvre démontre des aspects totalement personnels de Barceló, impossibles à relier à ses influences ou à ses prédécesseurs, dont le plus remarquable est sa rupture avec la tradition grâce à sa recherche inlassable de nouvelles formules et à sa fascination pour les différents aspects de la nature. Cette aquarelle en est un exemple, puisque l'artiste part de la traditionnelle "vanité", mais sa technique et la tendance au tellurique nous rapprochent d'une image totalement organique qui ne transmet pas la fugacité de la vie, mais une conception cyclique de celle-ci. Dans ce travail, le Majorquin crée une œuvre d'une grande expressivité, fermement enracinée dans la nature et la tradition archaïque, qui révèle en même temps une modernité surprenante et brillante. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'art brut, un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom. C'est également en 1977 qu'il reçoit sa première commande picturale de grand format : une peinture murale pour la salle à manger d'un hôtel de Cala Millor, à Majorque. L'année suivante, à l'âge de 21 ans, il vend ses premières œuvres à quelques collectionneurs et galeries, et s'installe finalement à Barcelone. Sa reconnaissance internationale commence au début des années 80, donnant un coup de fouet définitif à sa carrière après sa participation à la Biennale de São Paulo (1981) et à la Documenta de Kassel (1982). En 1986, il reçoit le prix national des arts plastiques et, depuis lors, son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, tels que le prix Prince des Asturies pour les arts (2003) et le prix Sorolla de la Hispanic Society of America de New York (2007). Barceló est actuellement représenté dans les plus grands musées d'art du monde, tels que le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris, le Guggenheim de Bilbao, etc.

KYRIAKOS KAZIRAS MISS YOU Signé, numéroté 1/4 Tirage Fine Art sur papier Canson Infinity Edition Eching Rag Encadrement caisse américaine Atelier Fotodart 80 x 120 cm Don de l'artiste Kyriakos Kaziras est un photographe professionnel, franco-grec, vivant en France. Né en Grèce, il est très tôt passionné de photographie. Lors de son premier voyage en Afrique Australe, il tombe amoureux des étendues sauvages, des lumières et des animaux. Il n'aura de cesse, depuis lors, de sillonner les coins les plus reculés de la planète, des plaines africaines aux terres polaires. Tout son travail est préparé minutieusement en amont comme un story-board. Chacune de ses photographies est un tableau jouant sur les ombres et les lumières. Il reconnaît volontiers avoir été enthousiasmé par le film Heimat d'Edgar Reitz, dont chaque plan a été composé comme une photographie. Très influencé par la peinture, notamment par les noirs texturés à la fois profonds et lumineux de Pierre Soulages, Kyriakos Kaziras a une approche très picturale de la photographie. Les appareils photo sont ses pinceaux.

Gaston SUISSE (1896-1988) "Tangaras dans les cactées en fleurs" Dessin technique mixte au crayon gras et pastel sur papier Signé en bas à gauche 40 x 28 cm Encadré sous verre Au dos du cadre : étiquettes de provenance Vente J.P Osenat 28/10/2022

Leone Frollo - Jeu à trois, années 1990 crayon et pastel sur papier 30 x 21 cm Illustration originale créée par Frollo dans les années 90, une vision raffinée et séduisante du maître vénitien de l'éros.

Raymond MORETTI (1931-2005) Composition abstraite Gouache sur papier Signé et daté en bas à gauche 61 Dim. : 51 x 36 cm (à vue)

Burroughs, William (ici : William Lee). Junkie (Junkie). Confessions d'un toxicomane non pardonné. New York, Ace Books, 1953. 149 p. 16,3 x 10,5 cm. Cartonnage original illustré (marges un peu frottées, légères traces de pliures, très petit manque dans la couverture au niveau de l'indication du prix restauré de manière à peine perceptible). Première édition. - Junkie' fut le premier roman publié de Burroughs, bien qu'il ait écrit auparavant un roman inédit avec Jack Kerouac. Ace Books a exigé des modifications importantes et a censuré certains passages. Ce n'est qu'en 1977 que Penguin Books a publié une version non censurée du roman sous l'orthographe alternative de Junky. - Relié en tête avec sa propre illustration de couverture : Maurice Helbrant. Agent narcotique. 169 p. - papier bruni, coin supérieur légèrement plissé au début, bon état général.

Bruno Napoli - Astérix le Gaulois, 1967 crayon et tempera sur papier 24 x 33 cm Maquette réalisée par Napoli pour l'affiche officielle du film Astérix le Gaulois, réalisé par Ray Goossens et produit par Dargaud et Belvision en 1967. Il s'agit du premier film d'animation basé sur la série de bandes dessinées Astérix de René Goscinny et Albert Uderzo, et adapte fidèlement la bande dessinée du même nom, elle-même première de la série. Quelques plis.

Bruno Napoli - Astérix et Cléopâtre, 1968 crayon et tempera sur papier 27,5 x 41,5 cm Maquette réalisée par Napoli pour l'affiche officielle du film Astérix et Cléopâtre, réalisé par René Goscinny et Albert Uderzo et produit par Dargaud et Belvision en 1968. Il s'agit du deuxième film d'animation tiré de la série de bandes dessinées Astérix de Goscinny et Uderzo, et de l'adaptation du livre du même nom. Le film a été réalisé par Belvision sous la supervision des deux auteurs, mécontents du précédent Astérix le Gaulois réalisé à leur insu. Pli horizontal au centre.

Rolex - Montre-bracelet Rolex 'Oyster Perpetual' en acier inoxydable, Ref. 176200 Avec chiffres arabes et heures bâton Numéro de série : M146931 Cadran : Noir Mouvement : Automatique Matériau du boîtier : Acier inoxydable Taille du boîtier : 26 mm Bracelet/Strap : Acier inoxydable Fermoir/Boucle : Boucle déployante Vendue avec : Boîte et papiers Cette pièce sera expédiée de Lambertville, New Jersey.

Ecole européenne du début du XIXe siècle Caprice architectural Plume, encre noire, encre grise, lavis noir et lavis gris sur papier h. 18,5 x L. 12 cm.

Louis BOULANGER (1806-1867) Etude d'homme nu, les bras tendus . Dessin préparatoire à la figure torse nu de gauche dans le "Supplice de Mazeppa" (Rouen, musée des Beaux-Arts) Fusain et craie blanche sur papier H. 12,5 x L. 13 cm. Signé du cachet de ses initiales en bas à droite

Klemm, Walther . Seize gravures sur le péché originel. Une histoire érotique de la création. Impression privée. Avec 16 eaux-fortes originales montées sous passe-partout et signées. Weimar, Wollbrück Verlag, 1919. 1 double page (titre, 2 p. d'introduction, note d'impression). 41 x 31 cm. Portefeuille original à rabats en parchemin entier avec titre doré sur le couvercle (couverture arrière tachée). Un des 60 (GA 360) exemplaires numérotés en chiffres romains de l'édition préférentielle sur papier vergé, dont toutes les eaux-fortes sont signées avec le nom complet. - Hayn-Gotendorf IX, 319 - Nordmann-Katalog 1, 192 - La reliure en parchemin de l'atelier Otto Dorfner. - Dimensions des images : 8,5 x 7,5 cm à 23,5 x 21 cm. - Le seul thème de cette série est la femme qui se satisfait sodomiquement dans un rut ardent. Comme la création a mis en son sein un désir insatiable, elle s'en remet à n'importe quel animal performant pour sa satisfaction sexuelle". (Dictionnaire iconographique II, 580). - Bon exemplaire sans tache. VAT : *

Sam SZAFRAN (1934-2019) - Lilette assise, circa 1964. Lithographie sur papier. Signé, dédicacé "à ma m... Suzon", daté et numéroté 22/25 en bas au centre. 50,2 x 32 cm. Rousseurs, taches et pliures.

Hans Bellmer (1902-1975)/Vladimir Veličković (1935-2019) - 3 lithographies > Hans Bellmer (1902-1975), Sans titre, lithographie sur papier signé en bas à droite, numéroté 77/100 en bas à gauche - 72 x 54 cm (rousseurs) > Hans Bellmer (1902-1975), Sans titre, lithographie sur papier signé en bas à droite, numéroté 4/100 en bas à gauche - 49,5 x 63 cm > Vladimir Veličković (1935-2019), Chute, 1975, lithographie sur papier signé, titré, daté et numéroté HC XIX/XXV en bas à droite - 50 x 66 cm

Un cabochon d'émeraude de Colombie sur papier aux nombreux jardins. Poids NET : 9,97 carats. Rapport gemmologique GEM Paris numéro 2024 précisant origine Colombie, huile modérée. Expert : Emeric BUFFETAUD

Paire d'écrans à main en papier imprimé et peint d'époque directoire La feuille à sept pans à décor d'un médaillon dans un encadrement, manche en bois tourné. H.39L.20,5cm usures

École espagnole ; XXe siècle. "Baile". Encre sur papier. Signé Saura dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 40 x 32 cm ; 57 x 49 cm (cadre). Encre sur papier dans laquelle une scène satirique est présentée avec une intention clairement humoristique. L'œuvre qui, sur le plan chromatique, se limite au blanc, au noir et à une gamme de gris, parvient à transmettre une atmosphère vitale et dynamique. Sur le plan de la composition, l'artiste élève le point de vue du spectateur, de sorte qu'il semble observer les personnages de la scène à partir d'une position élevée dans la foule. Au centre, une femme ouvre son manteau, révélant son corps à moitié nu, tandis que l'homme à côté d'elle se couvre les yeux et, sous le choc, est sur le point de tomber. Cette scène est contemplée par une multitude de personnages aux traits individualisés et archétypaux.

Kadar, Béla. Sans titre. (Cheval et nu masculin). Aquarelle sur papier fin. Signé en bas à droite. Dimensions de la feuille : 21 x 29,5 cm. Au verso, résidus d'un ancien montage, en partie visibles au recto, feuille brunie et avec des marges de lumière, partiellement légèrement tachée, ainsi que des traces de manipulation.

Zdanevich, Kirill M. Sans titre. (Esquisse scénographique, scène de danse). Gouache sur papier (feuille tirée d'un carnet d'esquisses). Signé en bas à gauche : "C. Zdanevitch". Probablement les années 1920. Dimensions du motif : 21 x 14,5 cm. Dimensions de la feuille : 19,5 x 14,5 cm. Kirill Zdanevich (1892-1969) a été pendant de nombreuses années un compagnon de route de l'avant-garde artistique, non seulement en tant qu'"agitateur" actif en Russie, mais aussi dans sa Géorgie natale et en France, où l'artiste s'est sans doute le plus intéressé aux nouveaux courants. Après une formation artistique à Tbilissi, puis à Moscou et à Saint-Pétersbourg, il a travaillé comme peintre et illustrateur avec des artistes importants comme V. Tatlin, N. Goncharova et M. Larionov, des poètes comme A. Kruchenyh et I. Terent'ev, a découvert le peintre N. Pirosmani. Dix ans de camp pénal suite à une dénonciation interrompent le travail de l'artiste qui vit à Moscou et à Tbilissi. Réhabilité par la suite, l'artiste a repris les liens qu'il avait tissés en 1913-1914 avec Paris et son frère Il'ya. D'importants musées internationaux possèdent des œuvres de l'artiste. - Papier légèrement bruni, marge supérieure avec 2 petites déchirures et petites rousseurs dans le bord de la feuille après détachement de l'agrafe d'origine.

Picasso, Pablo - Verve. Vol. 5, Nos. 19 et 20 et Vol. 7, Nos. 25 et 26. avec 2 lithographies en couleurs d'après Picasso et de nombreuses illustrations. Paris, Editions de la Revue Verve, 1948 et 1951. non paginé. 35,5 x 26,5cm. Reliures cartonnées originales avec couvertures illustrées originales (celles-ci légèrement brunies, bords en partie frottés). Vol 5, 19/20 : Couleur de Picasso. Peintures et dessins de Picasso. Textes de Picasso et de Sabartès. - Vol. 7, 25/26 : Picasso à Vallauris. - Papier légèrement bruni. VAT : *

Montblanc- The Prince Regent - Limited Edition 4810 Fountain Pen - Montblanc Stylo Plume - Le Prince Régent - 4810 Edition limitée. Bleu avec argent sterling plaqué or (Vermeil). Taille : 14,2 cm. Plume en or 18 carats, M. Numéroté 3956/4810. Neuf, dans son étui d'origine avec ses certificats. Jamais encré. Veuillez noter que la boîte extérieure et le certificat portent un numéro différent (3957/4810), probablement une confusion du détaillant d'origine.

LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Sans titre. Aquarelle et huile sur papier. Signé et tamponné. Dimensions : 40 x 50 cm ; 58 x 68 cm (cadre). Né et formé à Madrid, il est l'un des membres fondateurs du groupe El Paso. En 1954, il présente sa première exposition individuelle, avec des œuvres non figuratives, à la galerie Buchholz de Madrid. À partir de ce moment, Feito expose régulièrement dans les villes les plus importantes du monde, telles que Paris, Milan, New York, Helsinki, Tokyo et Rome. Nommé professeur à l'école des beaux-arts de San Fernando en 1954, il quitte l'enseignement deux ans plus tard et se rend à Paris avec une bourse pour étudier les mouvements d'avant-garde actuels. Durant cette période, il est influencé par l'automatisme et le "matter painting". En 1962, il devient membre fondateur du groupe El Paso, avec lequel il avait perdu le contact pendant ses années à Paris. Ses premières œuvres s'inscrivent dans la peinture figurative, pour ensuite passer par une phase d'expérimentation du cubisme, et enfin entrer pleinement dans l'abstraction. Au début, il n'utilisait que le noir, l'ocre et le blanc, mais lorsqu'il a découvert le potentiel de la lumière, il a commencé à utiliser des couleurs plus vives et des plans lisses. Il évolue vers l'utilisation du rouge comme contrepoint dans ses compositions (à partir de 1962) et, en général, de couleurs plus intenses. Dans sa phase abstraite, qui comprend les années 1970, Feito montre une nette tendance à la simplification, le cercle prédominant dans ses compositions en tant que forme géométrique. L'influence de l'art japonais est peut-être perceptible dans sa préférence pour les grandes bandes noires. La plupart de ses œuvres n'ayant pas de titre, on les reconnaît généralement au numéro qui leur a été attribué. Il a notamment été nommé officier de l'ordre des Arts et des Lettres de France en 1985. En 1998, il a reçu la médaille d'or des beaux-arts de Madrid et a été nommé membre titulaire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 2000, il a reçu le prix de l'Association espagnole des critiques d'art au salon Estampa, en 2002 le grand prix AECA du meilleur artiste international à ARCO, en 2003 le prix de l'artiste le plus pertinent à la foire d'art d'Osaka (Japon), en 2004 le prix de la culture des arts plastiques de la communauté de Madrid, en 2005 le prix Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, et en 2008 le prix de la fondation Jorge Alió et le grand prix de l'art contemporain espagnol CESMAI. Luis Feito est représenté dans les plus grands musées du monde, parmi lesquels la Galerie d'art moderne de Rome, le Guggenheim, le MoMA et la Chase Manhattan Bank de New York, les musées d'art moderne de Tokyo, Paris, Rio de Janeiro et Montréal, le Lissone en Italie, etc.

Vienne, vers 1800 Tasse et sa sous tasse en porcelaine à décors de fleurs dorés sur fond beige On y joint une paire de santons en faïence, un encrier en verre et bronze doré et un cendrier

EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Technique mixte, gouache, acrylique et pastel sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 130 x 122 cm ; 133 x 125 cm (cadre). Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. Pendant ces années, il gagne sa vie comme illustrateur et décorateur, et cultive une peinture marquée par l'expressionnisme social. En 1959, il se rend à Paris, où il poursuit sa formation à l'Académie de la Grande Chaumière. Dans la capitale française, il travaille comme graphiste et rencontre Eduardo Westerdahl, dont l'influence fait évoluer sa peinture vers l'abstraction. Cependant, quatre ans plus tard, il revient à la figuration et à la critique sociale. En 1967, il effectue un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre pour la première fois en contact avec le pop américain. Dès lors, l'œuvre d'Úrculo sera marquée par un réalisme basé sur des couleurs très vives et, jusque dans les années soixante-dix, par des thèmes érotiques, satiriques et critiques. Dans les années 80, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Dans cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle est visible à travers les nombreuses expositions individuelles qu'il a organisées à travers le monde depuis 1959, ainsi que dans des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.

Aliye Berger (1903-1974) - Leylekler, Selçuk (Cigognes) Eau-forte et aquatinte sur papier signé en bas à droite, titré et daté en bas à gauche 51 x 26 cm Rapport de condition : Encadré, dimensions à vue Aliye Berger est une peintre et graveuse turque née à Istanbul dans une famille d’artistes et d’intellectuels : sa sœur est la peintre Fahrelnissa Zeid et son frère l’écrivain Cevat Şakir Kabaağaçlı.

CARLOS SÁENZ DE TEJADA Y DE LEZAMA (Tanger, Maroc, 1897-Madrid, 1958). "Le cirque". Encre et aquarelle sur papier. Dimensions : 33 x 24 cm ; 59 x 51 cm (cadre). Carlos Sáenz a reçu une formation académique dans l'atelier de l'artiste Daniel Cortés, bien qu'il ait ensuite poursuivi ses études à l'École des beaux-arts de Madrid, où il a terminé ses études sous la direction des maîtres Sorolla et López Mezquita. Pendant la guerre civile espagnole, il a dirigé la section graphique de la propagande étrangère.

Ensemble d'oeuvres du XIXe et XXe siècle comprenant : - P. Vigneron (XXe siècle), "Paysage au colombier", aquarelle sur papier, H. 12 x L. 15 cm. (encadré) ; - Ecole française du XXe siècle, "Maisons au bord du lac", huile sur bois, 15x28 cm ; - Ecole française du XXe siècle, "Portrait d'Anne de profil", crayon et estompe, 25x21 cm ; - Ecole française du XIXe siècle, "Portrait de femme au bouquet", miniature, 7x5 cm (encadré) ; - Auguste LEPERE, "Route de Saint Gilles en Vendée", encre sur papier, 19x14 cm ; - Ecole francaise du XXe siècle, "Paysage à la tour", pastel sur papier, signé en bas à droite, 24x30 cm. - Ecole française du XXe siècle, "Portrait d'homme", huile sur carton, signé en bas à gauche, 33 x 25 cm.

Avant-garde - Pologne - Zeromski, Stefan. Popioly. Powiesc historyczna z konca XVIII wieku i poczatku XIX. (Cendres. Roman historique de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle). 2 volumes (tout ce qui est paru). Avec 3 planches de portraits (photogravures), 6 planches en couleurs montées par Michal Borucinski ainsi que 16 gravures originales à pleine page, autres illustrations et décorations de livres par Edmund Bartlomiejczyk, qui a également conçu la reliure. Varsovie (et Cracovie), Towarzystwo Wydawnicze w Warszawie, 1928. 2 bl., 370 p., 3 bl., 9 bl. facs ; 2 bl., 435 p., 2 bl. facs. 30 x 23 cm. Reliures originales en toile avec titres dorés sur le dos et les plats, dos doré (dos un peu éclairci, quelques taches, bords frottés, manque dans les coins en bas à droite du tome 1 sur les plats, env. 9 x 1 cm, tome 2 avec perte d'un coin du plat arrière). Première édition illustrée. - Un des 1375 exemplaires numérotés. - Les photogravures sous papier de soie marqué. Les planches en couleurs d'après des aquarelles. - Une édition monumentale et somptueuse de l'épopée napoléonienne de S. Zeromski. Édition bibliophile sur papier fort. L'édition a été supervisée par Jakub Mortkowicz. Imprimé par W. L. Anczyc & Sp. à Cracovie. Chacun des volumes contient en annexe des fac-similés de pages de manuscrit de l'auteur. - Reliure et certains feuillets relâchés, le tome 1 présente dans le dernier tiers une marge d'eau s'accentuant dans le mors supérieur, quelques taches de doigt par endroits.

Lot comprenant des stylos publicitaires en résine et des flacons d'encre (dont MontBlanc).

Globe terrestre japonais. Japon, vers 1925, marqué "Made in Japan", le globe est une sphère en papier mâché recouverte de 12 segments de papier lithographiés en couleur, inscription en anglais, pied en bois tourné et ébonisé. Diamètre : env. 6,5 cm. Hauteur : env. 13 cm. Un globe terrestre japonais. Japon c. 1925, signé "Made in Japan", twelve coloured globe gores mounted on cardboard sphere, ebonized turned wooden stand, the globe in English language. Diamètre du globe c. 6.5 cm, hauteur c. 13 cm.

Aly BEN SALEM (1910-2001) - Mosaïques, 1996. Suite de 16 impressions sur papier dans un porte-folio. Signées et numérotées 165/300. Accompagnée d'un fascicule de 48 pages rédigé par Aly Ben Salem, Leïla Ladjimi Sebaï, Hédi Slim et Rachida Triki. Éditions L'Or du Temps, Gazelle 2083 - Tunisie, 1996. 35 x 26 cm. Usures, taches, pliures et déchirures sur le fascicule.

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Galerie Miquel Barceló Yvon Lambert, 1987. Offset sur papier épais. Éditeur : Galerie Yvon Lamber (Paris). Signé par l'artiste. Dimensions : 70 x 49 cm ; 71 x 51 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'"art brut", un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom.

École espagnole ; vers 1950. "L'homme de la rue Encre et aquarelle sur papier. Présente des défauts. Signé en bas à gauche. Dimensions : 35 x 23 cm ; 63,5 x 47,5 cm (cadre). Illustration réalisée pour la couverture du livre El hombre de la calle, écrit par Abdón Rodríguez Santos, journaliste et écrivain espagnol. Il était membre de l'Association initiatique et protectrice de l'Académie galicienne, dont il fut le vice-secrétaire en 1911.